Les 32 plus grands personnages de films des années 50

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3. Les 32 plus grands personnages de films des années 50

Même à l’époque du code Hays et de la mise à l’index d’Hollywood en raison de prétendues connexions communistes, le cinéma a regorgé de personnages multidimensionnels à l’écran tout au long des années 1950. Mais quels sont les plus grands de tous les temps ?

Au lendemain de la Seconde Guerre mondiale, le cinéma a prospéré à la fois en tant qu’art et en tant que commerce, les films hollywoodiens étant régis par l’influence des stars et le cinéma étranger apparaissant comme une alternative enrichissante. Même lorsque les films eux-mêmes étaient littéralement en noir et blanc, les personnages du cinéma des années 50 étaient hauts en couleur, véhiculant le large spectre de l’humanité – le bon, le mauvais et les nuances entre les deux.

Des personnages louches du roman noir aux monstres des films de série B, en passant par les vieux bandits de l’Ouest et les enfants inadaptés, voici les personnages qui ont défini les films des années 1950.

32. Nancy Archer (L’attaque de la femme de 50 pieds)

L’enfer n’a pas de fureur comme une femme géante bafouée. Dans le classique du cinéma d’horreur indépendant Attack of the 50 Foot Woman, réalisé par Nathan Hertz, la belle héritière Nancy Archer (interprétée par Allison Haynes) se débat dans un mariage sans amour avec un mari infidèle lorsqu’elle rencontre un extraterrestre qui lui donne mystérieusement le pouvoir de grandir jusqu’à atteindre une taille gigantesque. En apparence, Attack of the 50 Foot Woman est un film d’horreur de série B, mais la notion sous-jacente d’une femme blessée comme Nancy affirmant sa domination est tout simplement trop importante pour être ignorée.

31. Minoru et Isamu (Good Morning)

Dans le boom économique du Japon de l’après-guerre, le réalisateur Yasujiro Ozu a trouvé dans Good Morning l’humour et la fantaisie au milieu de la modernisation rapide de son pays, influencée par l’Occident. Dans le Japon contemporain, deux jeunes frères nommés Minoru et Isamu (respectivement Shitara Koji et Masahiko Shimazu) entament une « grève silencieuse » pour forcer leurs parents à acheter un téléviseur. Aussi adorables que soient les garçons, ils ancrent le film du milieu du siècle d’Ozu dans une perspective intemporelle, explorant une réalité imminente soulignée par le consumérisme, l’addiction à l’écran, la définition de la personne par la consommation de médias – et les blagues sur les pets.

30. Bruno Antony (Strangers on a Train)

On ne sait jamais vraiment qui on peut rencontrer dans un train. Dans le film noir d’Alfred Hitchcock, Strangers on a Train, Robert Walker incarne le serpent Bruno Antony, un étranger beau parleur qui propose à un passager, Guy Haines (Farley Granger), de réaliser le meurtre rêvé de l’autre, l’absence de tout lien traçable créant le crime parfait. Le fait que Bruno honore l' »accord » et poursuive sans relâche Guy pour respecter sa part d’un marché qu’ils n’ont jamais conclu fait de Bruno l’un des personnages les plus glaçants de l’œuvre cinématographique d’Hitchock, un méchant qui sort de l’ombre et ne porte rien d’autre qu’un sourire.

29. Ethan Edwards (The Searchers)

Regarder The Searchers, l’épopée western de John Ford, avec des yeux modernes peut s’avérer une tâche ardue en raison de son racisme abject à l’égard des autochtones et de sa rage palpitante contre le métissage. Le film raconte l’histoire sans concession d’un archétype de flingueur, l’ancien soldat confédéré Ethan Edwards (interprété par, qui d’autre, John Wayne), qui a pour mission de sauver sa nièce blanche (jouée par Natalie Wood à l’âge de l’adolescence) des griffes de ravisseurs comanches. Aussi répugnants que soient ses sous-entendus, le personnage de Wayne dans The Searchers est une figure captivante, un anti-héros sublime du cinéma dont la poursuite incessante et le voyage de plusieurs années à travers une frontière désertique lui confèrent une stature homérique. On n’est pas obligé de l’aimer, on n’est même pas obligé de le respecter. Mais on ne peut pas nier ce dont des hommes comme lui sont capables.

28. Chapelier fou (Alice au pays des merveilles)

Bien qu’il apparaisse à l’écran avec son meilleur ami Lièvre de mars, le « Chapelier fou » du film de Disney Alice au pays des merveilles (où il est interprété par Ed Wynn) est une figure singulière, un avatar de l’imprévisibilité et du chaos dans une surréalité déjà psychédélique. Issu du roman de Lewis Carroll Alice’s Adventures in Wonderland, le Chapelier fou vole la vedette dans la version cinématographique de Disney, posant à Alice des énigmes auxquelles elle ne répond jamais et tirant toutes sortes de choses de ses chapeaux, y compris d’autres chapeaux. Même dans une histoire remplie de personnages et de créatures inoubliables, le Chapelier fou reste le seul représentant de tout cela.

27. Le Blob (Le Blob)

Quoi qu’il en soit, rien ne peut l’arrêter. Il avale et absorbe toute matière organique, et il vient pour vous. Dans The Blob, une substance mystérieuse et gluante d’origine extraterrestre envahit une petite ville. Le Blob n’est pas vraiment un « personnage » au sens classique du terme, mais une entité malveillante qui peut être aussi simple ou aussi compliquée que le spectateur le souhaite. Certains n’y verront rien de plus qu’un morceau de gélatine. D’autres y voient une métaphore élaborée des terreurs existentielles rampantes de notre époque, qu’il s’agisse de la menace du communisme ou de la pourriture culturelle de l’Amérique qui vient de l’intérieur. Quelle que soit la signification du Blob pour vous, il est impossible d’arrêter son pouvoir rampant en tant que l’un des monstres cinématographiques les plus cool de tous les temps.

26. Détective Joe Kojaku (Le Kimono cramoisi)

Sans le racisme de l’Amérique d’après-guerre, James Shigeta aurait été une plus grande star de cinéma qu’il ne l’a été. Mais Shigeta a tout de même eu le temps de jouer le rôle principal d’un bel homme romantique dans le drame policier romantique The Crimson Kimono (1959) de Samuel Fuller. Dans le rôle du détective Joe Kojaku, Shigeta incarne le prototype du « bon gars », un homme affable dont le seul véritable trait distinctif est qu’il veut faire justice par tous les moyens prévus par les livres. Pourtant, sa romance naissante avec une dessinatrice, Christine (Victoria Shaw), l’empêche de faire son travail avec son partenaire. Shigeta était si prometteur en tant que star masculine du cinéma à Hollywood, et The Crimson Kimono nous permet d’entrevoir tout son potentiel dans toute sa gloire transpirante et bien habillée.

25. Colonel Dax (Les Sentiers de la Gloire)

Avant de réaliser des chefs-d’œuvre transgressifs comme Lolita, 2001 : l’Odyssée de l’espace et Shining, Stanley Kubrick a réalisé en 1957 le film anti-guerre Les Sentiers de la gloire. Kirk Douglas y incarne le colonel Dax, un homme de principe chargé d’encadrer les officiers français qui refusent de poursuivre une mission suicidaire et qu’il défend devant la cour martiale. Dans Les Sentiers de la gloire, Douglas a l’air d’une tête de con par excellence, mais ses efforts pour faire en sorte que le nom de ses hommes ne soit pas sali à cause d’une prétendue lâcheté permettent de voir à quoi ressemble la bravoure dans l’action.

24. Juliette Hardy (Et Dieu créa la femme)

Brigitte Bardot était mannequin avant de devenir actrice en 1952, et elle a accédé à la célébrité grâce à son rôle principal dans le drame sensuel à succès de Roger Vadim, Et Dieu créa la femme. Bardot y incarne une orpheline et nymphette française qui sème le trouble dans sa vie personnelle en épousant un homme mais en tombant amoureuse du frère de celui-ci. Et Dieu créa la femme est le rôle le plus beau et le plus mémorable de la carrière de Bardot, et pour cause, Juliette y incarne son célèbre sex-appeal qui a pratiquement inventé le terme de « sex kitten » (chaton sexuel).

23. Gill-man (Créature du lagon noir)

The Swamp Thing et The Shape of Water de Guillermo del Toro ont tous une dette envers le redoutable Gill-man, dont la première apparition dans le classique Creature From the Black Lagoon (1954) a marqué le début de la fin des monstres classiques d’Universal. Amphibien silencieux d’origine inconnue qui traque la belle Julia Adams (Kay Lawrence) en Amazonie, le « Gill-man » n’a pas de caractéristiques déterminantes en dehors de ce qu’il est manifestement. Mais cela ne le rend pas inintéressant. Au contraire, l’homme-araignée est la créature parfaite sur laquelle nous pouvons projeter nos egos les plus sombres – ceux qui ne remontent jamais à la surface, mais qui vivent dans les profondeurs.

22. Soldat « Prew » Prewitt (D’ici à l’éternité)

Il peut jouer du clairon, mais il est difficile de lui faire faire de la boxe. Dans le vaste drame de la Seconde Guerre mondiale From Here to Eternity de Fred Zinnemann, Montgomery Clift incarne le soldat « Prew » Prewitt, beau et hanté. Soldat de carrière qui ne veut rien d’autre que servir avec dignité, Prew devient le souffre-douleur de son capitaine, qui lui en veut de refuser de faire partie de son équipe de boxe. Pendant ce temps, Prew tombe amoureux de Lorene (Donna Reed), une fille de boîte de nuit qui cherche à construire une vie plus stable dans son pays d’origine. Grâce à la performance multidimensionnelle de Clift, Prew se sent vivant dans son existence d’âme malchanceuse prise dans une période turbulente.

21. Calamity Jane (Calamity Jane)

Qu’elle soit vraie ou fausse, la légende de Calamity Jane, femme de la frontière, est racontée dans le film musical de 1953, avec une Doris Day pleine de vie, et notamment une prétendue romance entre elle et Wild Bill Hickok (interprété dans le film par Howard Keel). Et ce, bien que le film se targue d’un sous-texte abondant la désignant comme lesbienne. Quelle que soit son orientation, la Calamity Jane de Day est un personnage exceptionnellement coloré et hilarant, dont le physique rigide fait écho à une voix chantée en staccato qui incarne les comédies musicales de l’âge d’or hollywoodien.

20. La mort (Le septième sceau)

Dans la sombre fantaisie historique Le Septième Sceau d’Ingmar Bergman, c’est la Mort elle-même (jouée par Bengt Ekerot) qui s’approche du chevalier craintif Block (Max von Sydow) qui retarde sa mort en jouant une partie d’échecs endiablée. Vêtue d’une robe noire qui contraste avec son visage blanc et fantomatique, l’interprétation de la Mort par Bergman – la Faucheuse, le Cavalier pâle, quel que soit le nom qu’on lui donne – est saisissante, un personnage effrayant à souhait, mais pas tout à fait sinistre. On a la forte impression qu’il fait simplement son travail, et que son acceptation de jouer un jeu est une distraction bienvenue de l’inévitable pour les deux joueurs impliqués.

19. Harry Fabian (Night and the City)

Avant Adam Sandler dans Uncut Gems, il y avait Richard Widmark dans le rôle de Harry dans Night and the City. Dans ce chef-d’œuvre noir sous-estimé et discret, Widmark incarne un escroc américain qui rôde dans les bas-fonds londoniens, créant stratagème après stratagème, dans une tentative désespérée de garder sa tête à flot – et intacte. En traversant le cœur sombre des villes, des boîtes de nuit miteuses aux arènes de lutte professionnelle, Harry devient une figure de la ruine, un homme emprisonné par sa fabrication d’un château de cartes impossibles à gagner dans la vie.

18. Joe Bradley et Princesse Ann (Vacances romaines)

Gregory Peck et Audrey Hepburn partagent la vedette de l’effervescente comédie romantique de William Wyler, Roman Holiday, dans laquelle ils incarnent deux personnes issues de deux mondes différents qui s’envolent l’une vers l’autre, ne serait-ce que le temps d’un après-midi. Lorsqu’une princesse européenne (Hepburn) se retrouve dans l’appartement d’un journaliste américain (Peck), tous deux se lancent dans une aventure tourbillonnante à travers la ville antique de Rome, savourant chaque minute dont ils se souviendront toute leur vie. En tant que personnages, Joe et Princesse Ann révèlent à quel point il est facile de tomber amoureux quand on n’essaie pas vraiment de l’être.

17. Kanji Watanabe (Ikiru)

Le film Ikiru d’Akira Kurosawa (qui signifie « à la vie ») n’aborde pas directement les conséquences de la survie du Japon à l’armement atomique. Mais le spectre de la mort plane sur le vieux salarié Kanji Watanabe (Takashi Shimura dans une performance de carrière), dont la découverte d’un cancer de l’estomac en phase terminale l’incite à chercher un sens à sa vie dans un monde de plus en plus compliqué et excessivement bureaucratique. Portrait très empathique de personnes en fin de vie, Kanji in Ikiru montre que même ceux qui n’ont que peu de raisons de vivre peuvent encore vouloir et mériter de vivre pleinement leur vie et de laisser derrière eux quelque chose qui en vaille la peine. Ils espèrent seulement pouvoir le faire avant qu’il ne soit trop tard.

16. Robby le robot (Planète interdite)

Avant R2-D2 et Chappie, il y avait Robby le robot dans le classique Planète interdite de 1956. Bien que Robby ne soit pas le premier robot de l’histoire du cinéma – Maschinenmensch de Metropolis lui dit bonjour – son innovation était de présenter une véritable personnalité et de jouer un rôle crucial dans l’intrigue du film. Sa construction a coûté entre 100 000 et 125 000 dollars, ce qui est exorbitant à l’époque. C’est grâce à la voix off de Marvin Miller que Robby devient plus qu’une boîte ambulante, mais quelque chose qui se rapproche de l’humanité. À une époque où les franchises cinématographiques n’existaient pas encore, Robby a sauté dans le multivers de la science-fiction pour apparaître dans d’autres films et émissions comme Perdus dans l’espace, La Quatrième Dimension, L’Homme maigre et Mork & Mindy.

15. Sinbad (Le 7e voyage de Sinbad)

Le Sinbad de Kerwin Mathews dans Le 7e voyage de Sinbad est l’incarnation de l’héroïsme fringant du grand écran, que même les super-héros des bandes dessinées ne peuvent égaler. Bien que le folklore de Sinbad se soit répandu pendant des siècles avant l’avènement du cinéma (et en fait, il y avait déjà des films sur Sinbad avant le classique 7e voyage), c’est l’interprétation de Mathews du héros légendaire qui a définitivement cimenté la reconnaissance de Sinbad en tant que grand héros de tous les temps. Qu’il soit à la poursuite de géants cyclopes ou de servantes à moitié serpent, Sinbad n’est pas un héros compliqué – et c’est pourquoi il est toujours aussi séduisant après tant d’années.

14. Norma Desmond (Sunset Boulevard)

Elle est là pour vous, toutes les merveilleuses personnes dans l’obscurité. Dans la comédie noire Sunset Boulevard de Billy Wilder, Gloria Swanson incarne Norma Desmond, une star du cinéma muet qui manipule un scénariste malchanceux pour relancer sa carrière. Alors que l’âge d’or d’Hollywood entame sa dernière décennie, le film de Wilder permet à Hollywood lui-même de se débattre avec la façon dont il construit les gens pour ensuite les réduire en miettes. La Norma Desmond de Swanson est une figure tragique et terrifiante qui représente les âmes oubliées de l’industrie, une personne incapable d’oublier le passé et qui insiste pour vivre sous les feux de la rampe pour toujours. À la fin du film, on trouve son portrait le plus troublant, se pavanant au premier plan pour se prélasser dans la lueur des flashs de l’appareil photo tout en refusant d’admettre la raison pour laquelle ils sont là en premier lieu.

13. Godzilla (Gojira)

Si les spectateurs négligents ne voient en Godzilla qu’un gros lézard en caoutchouc, les vrais savent qu’ils doivent vénérer le roi des monstres. Émergeant des mers irradiées du Japon dans Gojira, le chef-d’œuvre kaiju d’Ishiro Honda, Godzilla est un cauchemar de la science et de la nature, une créature née des radiations nucléaires qui remonte à la surface pour mettre en garde l’humanité contre son arrogance et ses mauvaises habitudes d’auto-anéantissement. Quels que soient les tons et les nuances qu’il a pris au cours de sa vie de plusieurs décennies, sa première apparition dans le film original de 1954 reste celle qui laisse une impression durable, comme une peau brûlée.

12. Will Kane (High Noon)

Pour ceux qui ont besoin de s’inspirer de la bravoure, ne cherchez pas plus loin que Will Kane dans High Noon. Incarné par Gary Cooper, Will Kane est un marshal du Nouveau-Mexique proche de la retraite qui sacrifie une vie agréable avec sa nouvelle épouse (la superbe Grace Kelly) pour affronter une bande de hors-la-loi de retour, déterminée à le tuer pour se venger. Le Will Kane de Cooper n’est pas le genre de flingueurs masculins et élégants qui peuplent les films de western, ce qui rend High Noon d’autant plus impressionnant en tant que portrait émouvant de la défense de ce qui est juste, même lorsque l’on se retrouve seul.

11. Antoine Doinel (Les 400 coups)

Antoine Doinel, le personnage autobiographique semi-fictionnel de François Truffaut, est un véritable inadapté, un jeune au bord de l’effondrement qui s’appuie sur des fondations bancales posées par des adultes brisés. Dans le film de Truffaut Les 400 coups (1959), Jean-Pierre Léaud incarne Antoine, 14 ans, qui ne répond pas aux ordres et commence à expérimenter une vie criminelle. Si Antoine est devenu le protagoniste improbable de plusieurs films – tous retraçant sa vie jusqu’à l’âge adulte – c’est sa première apparition dans Les 400 coups qui est la plus durable, son dernier plan impressionnant les spectateurs du monde entier, le regard glacé d’une jeunesse perdue qui n’a nulle part où aller, ni où grandir.

10. Capitaine Crochet (Peter Pan)

Vous entendez déjà le tic-tac d’un crocodile qui s’approche, n’est-ce pas ? Le capitaine Crochet (interprété par Hans Conried) est un méchant emblématique des films de Disney, qui a un penchant pour le comique. Outre la voix passionnée de Conried, son animation impeccable crée un personnage à la fois rusé et enfantin, désireux de se tenir droit, le torse bombé, mais prompt à battre des pieds et à sauter dans les bras de son second, Smee. Défiant les méchantes reines et belles-mères des précédents films de Disney, le capitaine Crochet montre que ce n’est pas parce que l’on est un homme que l’on ne peut pas être déjoué par un enfant.

9. Taketori Washizu (Throne of Blood)

Les nombreux rôles de Toshiro Mifune dans de nombreux films de samouraïs classiques ont fait de lui un synonyme du genre, et les années 1950 sont particulièrement riches en agressivité masculine. Parmi tous les rôles qu’il a joués au cours de cette décennie, l’un d’entre eux est toujours d’actualité : Taketori Washizu dans Le Trône de sang, la magistrale réinterprétation par Akira Kurosawa de la pièce de Shakespeare Macbeth, dont l’action se déroule dans le Japon féodal. Dans le rôle de Taketori/Macbeth, Mifune incarne parfaitement la détermination ardente d’un samouraï ambitieux, qui se transforme en arrogance coléreuse lorsque Taketori a finalement pris le contrôle, avant de tout perdre dans une tempête de flèches. Mifune a en effet joué de nombreux samouraïs. Mais celui qui ressemble le plus à l’anti-héros mythique de Shakespeare est celui qui mérite la plus grande reconnaissance.

8. Jim Stark (Rebelle sans cause)

Le fait que le public ait rencontré Jim Stark un mois seulement après la mort de James Dean a conféré une profondeur romantique indéterminée à l’un de ses derniers rôles au cinéma. Dans Rebel Without a Cause, Dean brille d’un éclat aveuglant dans le rôle de Jim Stark, un adolescent troublé, californien, qui vit dans un foyer malheureux et noue une relation avec Judy (Natalie Wood), tout aussi troublée. Entre le look iconique de Jim (y compris une veste rouge enviable) et l’ambiance générale d’une chanson de Bruce Springsteen, il est tout simplement l’un des visages les plus inoubliables de la décennie.

7. Juré 8 (12 hommes en colère)

Dans une salle étouffante où les esprits s’échauffent, Henry Fonda est d’abord le seul des douze jurés anonymes à soutenir que l’accusé – un jeune homme de 18 ans, jugé pour le meurtre de son propre père – pourrait bien être innocent. Tout au long de la célèbre version cinématographique de Sidney Lumet, le juré 8 apparaît comme la voix de la raison qui ne se laisse pas influencer par les autres hommes convaincants ni décourager par leur indifférence. Bien que nous ne sachions pas grand-chose du juré 8, ni d’ailleurs d’aucun des hommes, nous pouvons apprendre beaucoup de choses de gens comme lui dans ce regard instructif sur la façon d’exprimer ce qui est juste et non pas ce qui est simplement logique.

6. Judy/Madeline (Vertigo)

Pour ceux qui ne tiennent pas à spoiler un film sorti il y a si longtemps et salué comme l’un des plus grands films de tous les temps : Judy et Madeline, jouée par Kim Novak dans le chef-d’œuvre de mystère psychologique d’Alfred Hitchcock, Vertigo, sont la même personne. Mais au-delà du rebondissement de l’intrigue, c’est la signification de cette altération de la personnalité qui est en jeu. Judy est une personne réelle, pleine de défauts, tandis que Madeline – créée par Judy – est l’illusion d’une femme idéale, qui prend Scottie (James Stewart) au piège comme une mouche. C’est un témoignage des capacités de star de cinéma de Kim Novak que les deux personnages se sentent comme des individus réalisés, même si l’un d’entre eux n’est pas du tout une personne réelle. (Techniquement, ils ne le sont pas tous les deux, mais il faut s’y faire).

5. Shane (Shane)

Alors que les westerns tombaient en disgrâce vers les années 1950, l’une des dernières visions d’héroïsme du genre était Shane, interprété par Alan Ladd dans l’épopée frontalière bien-aimée de George Stevens. Shane est un vagabond, un tireur laconique forgé à partir de nos souvenirs collectifs pour de tels héros. Dans l’espoir de commencer une nouvelle vie, Shane se retrouve au service d’un ranch familial qui commence à dépendre de lui et de ses mystérieux – et violents – talents de protecteur. Personnage phare du western, Shane est le prototype du héros réticent qui souhaite dépasser son passé violent et vivre une vie de paix, même si le destin en décide autrement. La fin emblématique du film, qui montre un enfant criant pour que Shane « revienne », s’adresse à tous les publics qui aspirent encore à des héros.

4. Judah Ben-Hur (Ben-Hur)

Si les épopées bibliques pouvaient avoir un héros d’action définitif, ce serait le prince juif Judah Ben-Hur, interprété par Charlton Heston dans la superproduction de 1959, Ben-Hur. Imaginé à l’origine pour le roman de Lew Wallace paru en 1880, c’est la robustesse inhérente à Heston qui donne à Ben-Hur sa force d’aspiration, celle d’un homme de principes qui sait ce qui est juste, même quand les autres disent que c’est mal. Quelles que soient votre foi et vos croyances, il est indéniable que l’interprétation de Heston en tant qu’homme qui regarde Jésus dans les yeux est une chose émouvante à laquelle il faut assister.

3. Maléfique (La Belle au bois dormant)

Oubliez les méchantes reines et les miroirs parlants magiques accrochés au mur. Maléfique, l’autoproclamée « maîtresse du mal », sait où se trouve le véritable pouvoir. Méchante fantastique du classique de Disney La Belle au bois dormant (1959), Maléfique (interprétée par Eleanor Audley) a influencé des générations de conteurs sur l’aspect et la sensation du mal à l’état pur. De son introduction enflammée à sa métamorphose en dragon ailé, Maléfique est la véritable star de La Belle au bois dormant, dont l’unique motivation est d’avoir été insultée de ne pas avoir été invitée à la fête d’anniversaire d’un bébé. Son côté fantastique et sombre a permis à Maléfique de devenir l’un des principaux méchants de Disney dans le vaste univers du studio, et une pierre de touche pour les méchants du monde entier.

2. Jeffries (Rear Window)

L’homme sait ce qu’il voit, même s’il ne l’a pas vu. Dans Fenêtre sur cour d’Alfred Hitchcock, James Stewart est l’incarnation de l’ennui, un photographe dont la jambe cassée l’a cloué au lit et qui frôle la mort par ennui. Mais son ennui se dissipe – et les frayeurs commencent – lorsque Jeffries soupçonne son voisin d’avoir tué sa femme. Bien qu’il soit difficile de croire qu’un type aussi minable que Jeffries ait une petite amie patiente et magnifique, Lisa (Grace Kelly), qu’il entraîne dans ses « enquêtes », Jeffries reste un personnage attachant qui prouve que, parfois, vos instincts sont, en effet, corrects.

1. Terry Malloy (Au bord de l’eau)

Ce n’est pas pour rien qu’il est considéré comme l’un des plus grands films, et c’est en grande partie grâce à Marlon Brando dans le rôle de Terry Malloy. Dans On the Waterfront d’Eliza Kazan, un film qui explore la criminalité et la corruption sur les quais de Hoboken (dans un parallèle élaboré avec les listes noires politiques communistes), le Terry de Brando est un ex-policier et un docker qui est involontairement entraîné dans le meurtre d’un collègue. Tout au long du film, Terry regrette son sort dans la vie, estimant que son propre potentiel a été gaspillé ; il aurait pu être un « contendah », comme il le dit. Grâce en grande partie à un maestro de l’interprétation en la personne de Brando, Terry est une figure intemporelle du regret, de la prise de conscience que ce que l’on est n’est pas ce que l’on voudrait être.