Les 32 plus grands moments de cinéma de Tom Hanks

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3. Les 32 plus grands moments de cinéma de Tom Hanks

Tom Hanks a la rare réputation d’être l’un des hommes les plus gentils d’Hollywood. C’est une drôle de réputation quand, en tant qu’acteur, il a joué tous les types d’hommes, y compris les moins recommandables.

De son propre aveu, Hanks ne croit pas qu’il mérite d’être reconnu comme l’homme le plus gentil que l’on puisse rencontrer. Dans une interview accordée à la BBC en 2023 pour promouvoir son premier roman, The Making of Another Motion Picture Masterpiece (La réalisation d’un autre chef-d’œuvre cinématographique), qui retrace le tournage d’un film de super-héros mettant en scène un acteur égoïste dont le comportement perturbe le plateau, Hanks reconnaît qu’il a favorisé l’émergence d’un environnement difficile.

« J’ai vécu chacun de ces moments de comportement sur un plateau de tournage », a déclaré Hanks. « Tout le monde n’est pas au mieux de sa forme tous les jours sur un plateau de tournage. J’ai connu des jours difficiles où j’essayais d’être un professionnel alors que ma vie s’effondrait à plus d’un titre et qu’il fallait que je sois drôle, charmant et aimant – et c’est la dernière chose que je ressens ».

Mais même ainsi, Hanks donne l’impression que c’est facile. Au cours de sa longue carrière à Hollywood, qui a débuté en 1980 avec le film d’horreur à petit budget He Knows You’re Alone, Hanks s’est hissé au sommet de la hiérarchie hollywoodienne en devenant l’un des acteurs principaux les plus fiables et les plus rentables de tous les temps. Bien que Tom Hanks ait la réputation d’incarner des personnages sympathiques, il n’est pas toujours dans ce genre de rôle. Voici 32 des plus grands moments de Tom Hanks au cinéma, dont certains prouvent qu’il est tout sauf le père officieux de l’Amérique.

32. « He’s White ? » (Elvis)

C’est peut-être la combinaison surréaliste de son costume de graisse prothétique, de la voix hybride hollandaise et sudiste qu’il incarne dans le rôle du véritable agent musical Tom Parker, et de la façon exagérément dramatique dont Baz Luhrman pousse sa caméra. Mais la révélation que la voix enchanteresse qu’il entend appartient en fait à un garçon blanc très commercialisable – le seul et unique Elvis Presley, joué par Austin Butler dans le biopic de 2022 de Luhrmann – est un moment digne d’un mème que peu de gens auraient pu attendre de la part de Hanks dans la deuxième partie de sa carrière.

31. Revivre le premier rendez-vous (Un homme appelé Otto)

(Dans cette comédie dramatique de Marc Forster datant de 2022, Hanks incarne un veuf déprimé qui tente de mettre fin à ses jours, mais qui est interrompu par ses voisins, en particulier par une famille mexicaine-américaine énergique qui vient d’emménager de l’autre côté de la rue. Lors de sa deuxième tentative, Otto se souvient de son premier rendez-vous avec sa femme Sonya (Rachel Keller), aujourd’hui décédée. Le souvenir est si fort pour Otto qu’il se souvient encore des mots exacts qu’il lui a adressés, alors que ce n’était que le début de leur vie commune, amoureuse mais difficile.

30. Science et foi (Anges et démons)

À la fin d’Anges et Démons, suite du film à succès de Ron Howard Le Code DaVinci (lui-même adaptation des romans à succès de Dan Brown), le célèbre expert en symbologie Robert Langdon (Hanks) reçoit discrètement le Diagramma Veritatis en guise de remerciement de l’Église pour le rôle qu’il a joué dans la mise en échec d’une tentative de meurtre du prochain pape, qui a choisi un nom rendant hommage à Luc l’Évangéliste – un médecin et un apôtre. L’Église, représentée dans la scène par le cardinal Strauss (Armin Mueller-Stahl), prononce un monologue poignant dans lequel elle reconnaît que la religion et les institutions religieuses sont imparfaites, « mais seulement parce que les hommes sont imparfaits », y compris celui qui parle. Sorti à une époque où l’opinion publique à l’égard de l’Église s’était effondrée, Anges et démons, porté par la présence du très apprécié Tom Hanks, trouve le moyen de dépeindre un moment de compréhension commune entre la science et la religion.

29. « I’m Glad It’s You » (Road to Perdition)

Dans le drame d’époque Road to Perdition, réalisé par Sam Mendes en 2003, Tom Hanks a joué un rôle rare, celui d’un tueur à gages de la mafia irlandaise, Michael Sullivan, qui n’a pas froid aux yeux. Vers la fin du film, alors que Michael est en fuite avec son fils adolescent (Tyler Hoechlin), il tue son ancien patron John Rooney (Paul Newman), qui traitait ses fils comme s’il était un grand-père aimant. Comme c’est le cas dans le crime organisé, Rooney savait que son heure était venue et qu’il serait tué par quelqu’un de son entourage. Sous une pluie battante, Rooney regarde Sullivan dans les yeux et admet, d’une manière étrange, que la mort par sa mitraillette est la seule voie appropriée.

28. Une bouteille de scotch bouchée (La guerre de Charlie Wilson)

Dans le film politiquement confus de Mike Nichols, La guerre de Charlie Wilson, qui raconte essentiellement l’histoire de l’implication des États-Unis dans les conflits du Moyen-Orient, Tom Hanks joue le rôle du député Charlie Wilson, un homme politique charismatique, coureur de jupons, mais remarquable. Au milieu du film, Wilson rencontre Gust Avrakotos de la CIA, interprété par Philip Seymour Hoffman. Les détails de la scène n’ont pas d’importance. Ce qui compte, c’est simplement de voir deux acteurs phénoménaux partager du temps d’écran ensemble dans une scène comique qui leur permet de peindre un large spectre de couleurs tonales. Il y a de l’amitié, de la suspicion, de l’hostilité, jusqu’à ce qu’il y ait un respect à contrecœur et une compréhension totale de la raison pour laquelle ils doivent s’aligner ensemble.

27. « Dieu merci, c’est vendredi ! » (Dragnet)

Dragnet, la suite de la série télévisée originale des années 1960, est clôturée par un Tom Hanks passionné qui prononce l’éternelle et flexible réplique : « Dieu merci, on est vendredi ! « Dieu merci, c’est vendredi ! » Si le personnage de Hanks, l’inspecteur de police Pep Streebek, fait littéralement référence à l’arrivée opportune de l’inspecteur Friday de Dan Aykroyd dans un char d’assaut militaire, nous connaissons tous le sentiment de gloire que procure le fait d’arriver à vendredi. Mention honorable pour un autre moment historique de Hanks : Lorsque Streebek et Friday doivent faire leur travail de police dans un manoir rempli de mannequins de magazines.

26. La signification des symboles (Da Vinci Code)

Le Da Vinci Code, le roman de Dan Brown, et la version cinématographique de Ron Howard sont impopulaires auprès des critiques de tous bords, mais ils n’en sont pas moins des succès. Parce qu’au fond de nous-mêmes, nous pensons que les experts qui ne nous prennent pas de haut ont le pouvoir de nous faire sentir intelligents. Exemple concret : Le début du Da Vinci Code de Howard, qui présente Robert Langdon, interprété par Tom Hanks, comme un expert renommé en symbologie, le voit demander calmement à un auditoire d’étudiants d’identifier des symboles. À leur grande surprise, les cagoules blanches pointues et les croix gammées ne sont pas ce qu’elles semblent être au premier abord. Cette scène met parfaitement en scène le personnage de Langdon, mais sert également de vitrine à Hanks, un acteur dont l’image durable est celle d’un père enthousiaste qui sait quand il faut monter ou baisser le volume.

25. Se cacher dans la grotte (News of the World)

Dans le drame d’époque News of the World, réalisé en 2020 par Paul Greengrass, Tom Hanks incarne le capitaine Kidd, un ancien officier confédéré chargé de ramener une jeune fille blanche élevée au sein de la tribu amérindienne des Kiowas à ses parents de sang survivants. Au milieu du film, les deux personnages sont acculés par plusieurs anciens soldats qui veulent acheter la jeune fille comme s’il s’agissait d’une propriété. Dans une scène qui est une démonstration magistrale de la mise en scène physique pour créer de la tension et de la caméra portée pour créer de l’immersion et de la confusion, Kidd déjoue et surpasse ses assaillants avec un doigt de gâchette remarquablement calme.

24. Un appel de Noël (Catch Me If You Can)

Steven Spielberg retrouve Tom Hanks dans la comédie dramatique d’époque Catch Me If You Can (2002), qui raconte les exploits supposés de l’escroc Frank Abagnale Jr (Leonardo DiCaprio) et sa fuite devant le FBI, représenté par l’agent déterminé Carl Hanratty (Tom Hanks). Un soir de Noël, Frank appelle Carl, apparemment pour se moquer de lui, mais Frank voit clair dans ses intentions et voit quelque chose d’autre, à la fois drôle et triste : ce sont les vacances, et Frank n’a personne d’autre à qui parler. Ce que Carl ne veut pas admettre, c’est qu’il est seul lui aussi.

23. « Can We Get Serious Now » (Sully)

Sully, un drame de 2016 dirigé par Clint Eastwood, raconte l’audacieux atterrissage d’urgence du vol 1549 d’US Airways sur l’Hudson en 2009 par le capitaine « Sully » Sullenberger – et l’enquête qui s’en est suivie pour savoir ce qui s’est exactement passé. Dans une scène captivante se déroulant lors d’une audience, le capitaine Sully (interprété, bien sûr, par Tom Hanks) explique en termes clairs mais sévères pourquoi il a pris la décision d’atterrir dans le fleuve plutôt qu’ailleurs. Tout au long du film, l’autorité de Hanks permet de fonder les arguments de Sully de telle sorte qu’il est non seulement insensé, mais presque immoral de remettre en question la façon dont il a sauvé les 155 vies ce jour-là.

22. « A Very Common Tale » (That Thing You Do !)

En 1996, Tom Hanks a fait ses débuts de réalisateur avec That Thing You Do, une comédie dramatique sur le groupe pop fictif The Wonders qui connaît une ascension et une chute immédiates dans l’industrie musicale américaine des années 1960. Outre la réalisation du film, Hanks joue également le rôle de M. White, le directeur commercial des Wonders. Lorsque le groupe se sépare, M. White avertit le batteur Guy (Tom Everett Scott) qu’il y a « rupture de contrat ». Bien que Guy affirme que les Wonders ont toujours un disque à succès, M. White lui dit que les Wonders ne sont pas spéciaux et que des succès momentanés comme les leurs se produisent tout le temps.

21. Entrer dans le royaume magique (Saving Mr. Banks)

Saving Mr. Banks, un drame biographique réalisé en 2013 par John Lee Hancock, est un rare exemple de réflexion de la célèbre société Disney sur sa propre histoire. En 1961, Tom Hanks incarne le célèbre animateur, cinéaste et homme d’affaires Walt Disney, qui tente de conquérir l’écrivaine britannique P. L. Travers (Emma Thompson) pour les droits de Mary Poppins. Pour ce faire, Walt invite Travers dans son célèbre parc à thème Disneyland. Si ce portrait de Walt est empreint d’une révérence incontestable, il n’en demeure pas moins que l’interprétation de Hanks est pleine d’effervescence. Lorsque les portes s’ouvrent et qu’un Walt souriant salue devant son entrée emblématique, avec le visage de Mickey Mouse encadré directement derrière lui, il y a un irrésistible sentiment de magie dans l’air.

20. « The Time Is Always Wrong » (Asteroid City)

Tom Hanks n’a pas grand-chose à faire dans Asteroid City, le chef-d’œuvre de Wes Anderson réalisé en 2023, un film sur le pouvoir des histoires comme mécanisme d’adaptation au deuil. Mais pour sa première collaboration avec Andeson, Hanks saisit magistralement l’occasion de transmettre une sagesse perspicace. (Pour mémoire, nous allons brièvement ignorer le niveau narratif supplémentaire dans lequel Asteroid City est lui-même une mise en scène). Dans le rôle du beau-père du personnage principal Augie, interprété par Jason Schwartzmann, Hanks explique à Augie qu’il n’y a tout simplement pas de bon moment pour annoncer aux gens les mauvaises nouvelles qu’ils ont besoin d’entendre. Le meilleur moment pour leur annoncer était avant, et le deuxième meilleur moment pour leur annoncer est maintenant. C’est à Hanks qu’il revient de faire d’une petite subversion d’une phrase courante une phrase poignante.

19. « I Have Made Fire ! » (Cast Away)

Cast Away, film qui a valu à Tom Hanks une nomination à l’Oscar du meilleur acteur, raconte l’histoire d’un employé de FedEx nommé Chuck qui se retrouve bloqué sur une île déserte. Avec pour seule compagnie un ballon de volley-ball, Chuck apprend à survivre aux éléments. L’un de ses premiers défis consiste à faire un feu chaud. Bien que les hommes fassent du feu depuis des siècles, le mode de vie moderne les a déconnectés de leurs anciennes habitudes. Bien que le réalisateur Robert Zemeckis ne fasse pas tout un repas des efforts de Chuck, on peut ressentir sa satisfaction de réussir un feu de camp sans même une allumette. La façon dont Hanks chante à tout le monde « J’ai fait du feu ! » a sûrement été citée par les gars qui traînent dans les camps depuis des décennies.

18. On the Air with Dr. Fieldstone (Sleepless in Seattle)

C’est la veille de Noël que le jeune Jonah (Ross Malinger) fait appel à son père, le veuf Sam (Tom Hanks), pour qu’il parle de la mort de sa femme et de sa solitude à un animateur de radio, le Dr Fieldstone. Pendant l’interview, une journaliste attentive du Baltimore Sun, Annie (Meg Ryan), écoute pendant un trajet nocturne, et son investissement soudain dans la vie de Sam devient lentement une obsession. Cette scène est une excellente vitrine pour Ryan et Hanks, qui excellent dans leurs rôles de personnes qui commencent un long voyage pour se trouver lentement l’une l’autre sans s’en rendre compte. De plus, Hanks, bien qu’il soit un vétéran des comédies romantiques, est dans une forme rare en tant que très beau personnage principal dont l’attrait provient de sa vulnérabilité.

17. Départ de JFK (Le Terminal)

Dans ce drame de Steven Spielberg sorti en 2004, Tom Hanks incarne un voyageur étranger (originaire du pays slave fictif de Krakozhia) nommé Viktor, qui se voit refuser l’entrée aux États-Unis et ne peut rentrer chez lui à la suite d’un coup d’État. Bloqué à l’aéroport JFK, il se lie d’amitié avec le personnel de l’aéroport qui finit par l’aimer. Lorsqu’il est enfin légalement autorisé à entrer aux États-Unis, un commissaire d’aéroport vindicatif (Stanley Tucci) exige qu’il fasse demi-tour. Mais même la police de New York se montre protectrice à son égard et lui donne un manteau pour se réchauffer dans un New York enneigé. C’est un moment doux qui montre l’amour de la communauté et comment la gentillesse peut être récompensée.

16. « We Dig In » (The Post)

Le journalisme est une profession passionnante, mais aussi un travail long et ennuyeux. Dans le film d’époque The Post de Steven Spielberg, qui explore la publication historique des Pentagon Papers par le Washington Post, les précieux documents arrivent inévitablement et sont rapidement passés au peigne fin par les journalistes du Post, dont le rédacteur en chef Ben Bradlee (Hanks). Alors qu’ils paniquent tous en réalisant l’ampleur et la désorganisation des documents, tout cela face à une échéance qui approche à grands pas, Ben Bradlee (Hanks) leur dit de s’en tenir là et de faire la seule chose qu’ils peuvent faire, c’est-à-dire le travail.

15. Devenir Fred Rogers (Une belle journée dans le quartier)

Tom Hanks ne ressemble en rien à feu Fred Rogers, le célèbre animateur de télévision pour enfants Mr. Rogers’ Neighborhood, dont la décence, la patience et la compréhension inébranlables lui ont valu la réputation d’un saint des temps modernes. Pourtant, dans un prologue impeccablement conçu du drame biographique A Beautiful Day in the Neighborhood (2019) de Marielle Heller – qui relate la publication d’une interview de Fred Rogers par le magazine Esquire en 1998 – Tom Hanks se présente dans les cardigans et les kakis emblématiques de M. Rogers, et soudain, il est lui. Pendant le reste du film, l’implication de Hanks ne fait aucun doute. Son interprétation reste un exemple stupéfiant de la capacité d’un grand acteur à évoquer un personnage de la vie réelle plutôt que de simplement l’imiter.

14. « Qu’est-ce que la piscine fait de moi ? » (Sauver le soldat Ryan)

Dans le drame de guerre inégalé de Steven Spielberg, Saving Private Ryan, Tom Hanks incarne un Ranger de l’armée américaine pendant la Seconde Guerre mondiale, qui dirige des hommes dans une mission étrange pour sauver un soldat de l’armée isolé (Matt Damon) perdu en France. Alors que le groupe a déjà perdu deux hommes, le moral des troupes s’effondre jusqu’à ce que le capitaine Miller, interprété par Hanks, dise enfin aux hommes qui il est, ou qui il était, avant de s’enrôler : Un professeur d’anglais dans un lycée de Pennsylvanie. Cette révélation choque les troupes, qui ont construit un air de mystique autour de lui. Mais c’est ce qu’il dit ensuite qui incite les hommes à terminer le travail en un seul morceau. « Pour chaque homme que je tue, je me sens d’autant plus loin de chez moi.

13. Un père fier (Sur la route de la perdition)

Au fond, Michael Sullivan, interprété par Tom Hanks, est un père de famille qui ne souhaite rien de plus que la sécurité de ses enfants, loin de son horrible métier. Tout au long du film, Michael emmène son fils – qui porte son nom, Michael Jr – sur la route pour échapper à des assassins avant de se débarrasser de l’ancien patron du crime de Michael Sr. Mais à la fin, un tueur indépendant joué par Jude Law les rattrape. Michael Jr. pointe son arme sur lui mais ne parvient pas à appuyer sur la gâchette. Dans son dernier souffle, Michael Sr. sourit en sachant que son fils ne deviendra pas comme lui.

12. Crashing Cafe Lalo (You’ve Got Mail)

Dans le délicieux You’ve Got Mail de Nora Ephron, Tom Hanks et Meg Ryan jouent des rivaux professionnels dans le domaine de la librairie qui tombent amoureux sans le savoir sur AOL (c’était dans les années 90). (C’était dans les années 90.) Hanks finit par comprendre la coïncidence lorsque, à leur rendez-vous au confortable Café Lalo dans l’Upper West Side, il trouve Kathleen (Ryan) assise en train de l’attendre. Espérant s’amuser, Hanks choisit de ne pas apparaître comme l’homme que Kathleen attend – avec le pseudo en ligne « NY152 » – mais plutôt comme Joe Fox, l’entrepreneur cupide dont l’empire de la chaîne de librairies la pousse à la faillite. La scène est poignante : Joe Fox, qui a encouragé Kathleen à se défendre, devient une arme qui blesse les sentiments de Joe. Hanks est un si grand acteur que l’on peut vraiment compatir avec un homme qui n’a apparemment aucun problème.

11. Il est le capitaine maintenant (Capitaine Phillips)

Il s’agit peut-être d’un mème aujourd’hui, mais le moment où, dans Capitaine Phillips, le capitaine du navire incarné par Tom Hanks perd le contrôle au profit des pirates somaliens est déchirant et passionnant. Dans Captain Phillips, le thriller de Paul Greengrass, qui relate le détournement du Maersk Alabama en 2009, Tom Hanks incarne Richard Phillips, le capitaine du navire dans la vie réelle. Bien que sa personnalité abrasive le rende plutôt impopulaire au sein de son équipage, il se tient debout pour les protéger, mais reste néanmoins impuissant face aux yeux de Muse (Barkhad Abdi), qui rayonne d’imprévisibilité. Lorsque Muse lui dit « Je suis le capitaine maintenant », ce n’est que le début d’une longue et dangereuse épreuve en haute mer.

10. « There’s No Crying in Baseball » (Une ligue à part)

C’est l’une des plus belles répliques jamais prononcées dans un film, ce qui est étrange car Tom Hanks y joue contre son image populaire et saine. Dans le rôle de Jimmy Dugan, manager de baseball dans la vraie vie, son tempérament colérique et son langage grossier indisposent Evelyn (Bitty Schram), la poussant à pleurer en public sur l’aire de jeu. Bien qu’il y ait de bonnes leçons à donner à tout le monde, même à Jimmy, c’est le ton impassible de Hanks (« Elle pleure, monsieur ») qui rend ce moment aussi hilarant que touchant.

9. « Houston, nous avons un problème » (Apollo 13)

Le 13 avril 1970, l’astronaute Jim Lovell a appelé le centre de contrôle de la mission à Houston, au Texas, pour leur dire qu’ils avaient eu un problème lors de la troisième mission de la NASA sur la Lune. La phrase exacte était « Ah, Houston, nous avons eu un problème », mais dans le film de 1995 réalisé par Ron Howard, Tom Hanks (dans le rôle de Lovell) prononce une phrase légèrement modifiée. Néanmoins, l’expression est entrée dans l’usage populaire pour décrire des problèmes imprévus avec juste un peu d’ironie. Dans ce qui est certainement l’un des meilleurs films de Tom Hanks, le moment où la phrase est prononcée est empêché par une caméra mobile qui emmène les spectateurs à l’intérieur de Saturn V, où des fils déconnectés, des lumières clignotantes et de la fumée remplissent le cadre. Lorsque la phrase est enfin prononcée, Apollo 13 passe à la vitesse supérieure et devient un thriller à grand spectacle où la survie et le temps sont soudain en concurrence directe.

8. Survivre au jour J (Sauver le soldat Ryan)

Il s’agit peut-être de l’une des représentations de la guerre les plus horribles et les plus violentes de l’histoire du cinéma. Dans cette inoubliable ouverture du célèbre film épique de Steven Spielberg, les Alliés prennent d’assaut les plages lourdement fortifiées de Normandie le 6 juin 1944. Pour beaucoup, ils savent déjà que le sort en est jeté. Ces garçons, qui sont encore assez jeunes pour être des garçons, savent très bien qu’ils se dirigent vers une mort certaine. Au milieu d’eux se tient le capitaine Miller (Tom Hanks), un peu plus âgé, dont les mains tremblantes témoignent d’une conscience similaire de l’urgence du moment. Lorsque Miller arrive enfin sur le rivage, après avoir évité de justesse les balles allemandes, il se met à l’abri un instant. Il prend la mesure de la violence qui l’entoure – de jeunes hommes pleurant leurs mères, récupérant leurs membres perdus, se précipitant vers l’océan pour éponger leurs corps en feu. Il finit par reprendre ses esprits, et ce n’est que le début.

7. « You Died on a Saturday Morning » (Forrest Gump)

Dans Forrest Gump de Robert Zemeckis, Tom Hanks joue le rôle d’un simple d’esprit dont le bon cœur et la bonne nature se retrouvent dans certains des plus grands moments du XXe siècle. Vers la fin du film, Forrest vient s’occuper de l’amour mourant de sa vie, Jenny (Robin Wright), apparemment atteinte du sida. L’élément central de l’histoire est que Jenny et Forrest n’ont pas vécu toute leur vie ensemble. Au contraire, ils se sont éloignés l’un de l’autre au fur et à mesure qu’ils prenaient des chemins différents. Mais Forrest est convaincu du contraire. Lors de ses propres voyages à travers le monde, Forrest a été conquis par la beauté naturelle qui l’entourait, comme la façon dont le soleil se couche dans le bayou de Louisiane ou la façon dont les étoiles brillent après la pluie au Viêt Nam. Tout au long du film, Forrest Gump ne sait pas faire la différence entre le sens propre et le sens figuré, mais sur le lit de mort de Jenny, lorsque celle-ci lui dit qu’elle aurait aimé être là, Forrest lui répond simplement : « Tu étais là ».

6. Une minute de silence (Une belle journée dans le quartier)

Ceux qui connaissaient M. Rogers savaient qu’il aimait faire un exercice avec les gens : il les mettait au défi de s’asseoir en silence pendant une minute, pour réfléchir, comme il le disait, « à ceux qui vous ont aidé à devenir ce que vous êtes aujourd’hui ». Au milieu de la pièce A Beautiful Day in the Neighborhood, autour d’un dim sum, M. Rogers demande à Lloyd (Matthew Rhys), un journaliste battu, de se joindre à lui pour cet exercice. L’intelligence de la mise en scène de Marielle Heller réside dans la façon dont elle immerge les spectateurs dans le moment pour simuler la sensation d’être assis à côté d’eux. Le film accorde bientôt au public le don du silence de M. Rogers. Alors que la caméra s’attarde lentement sur le visage de M. Rogers, Hanks regarde la caméra et donc le spectateur, l’invitant à réfléchir à sa propre vie. Il ne s’agit pas d’une rupture du quatrième mur, mais d’un démontage serein qui ne ressemble à aucun autre. Tout se serait écroulé si Hanks n’avait pas si bien incarné l’esprit de M. Rogers.

5. « Tu es un jouet cool ! » (Toy Story)

La série Toy Story reste l’une des meilleures sagas de Disney et Pixar, et son attrait repose en grande partie sur la voix off de Tom Hanks, qui incarne le protagoniste principal de la boîte à jouets d’Andy, Woody, une poupée cow-boy vintage. Dans le premier film révolutionnaire, Woody se chamaille avec Buzz l’Éclair (Tim Allen), une nouvelle figurine de science-fiction dont les caractéristiques tape-à-l’œil en font un produit très prisé. Alors que Woody passe la majeure partie du film à envier Buzz, leurs efforts pour retourner dans la chambre d’Andy les amènent à s’ouvrir. Lors d’une nuit pluvieuse dans la chambre de l’adolescent malade Sid, Woody tente d’inspirer Buzz pour qu’il se sente comme le héros qu’il a été fabriqué pour être. Bien que les spectateurs regardent littéralement les jouets parler entre eux, cette scène met en lumière des concepts réfléchis tels que l’identité et le but. Il s’agit d’un film étonnamment philosophique, dans lequel Hanks fait le plus gros du travail en s’engageant à fond dans le rôle d’un leader chevronné.

4. « Don’t Cry, Shopgirl » (You’ve Got Mail)

C’est une fin improbable pour une comédie romantique, mais elle est tellement parfaite. Après que la libraire Kathleen Kenny a fermé boutique, elle décide une fois de plus de donner à « NY152 » une chance de se rencontrer après qu’il lui a posé un lapin (du moins, c’est ce qu’elle pense). C’est par une pittoresque journée d’été à New York que Kathleen se rend à Central Park, au milieu des fleurs. Avec une interprétation émouvante de « Over the Rainbow » chantée par Harry Nilsson, Kathleen finit par apprendre qui est vraiment NY152 – Joe Fox (Hanks), son rival devenu son béguin secret. Bouleversée, elle se met à pleurer. « Ne pleure pas, Shopgirl », lui dit Joe en utilisant son pseudonyme. « Je voulais que ce soit toi », lui dit-elle. Swoon.

3. Le piano (grand)

C’est l’une des scènes les plus amusantes du cinéma, et Tom Hanks fait un excellent travail pour la rendre aussi amusante qu’elle en a l’air. Dans Big, Tom Hanks joue le rôle d’un garçon de 12 ans qui souhaite devenir adulte et se réveille dans le corps d’un homme mûr. Rétrospectivement, Tom Hanks était le choix parfait pour jouer un adulte avec le zèle d’un adolescent. Dans le célèbre magasin FAO Schwarz, Hanks monte sur un piano géant et joue des duos musicaux avec le propriétaire de l’entreprise de jouets pour laquelle il travaille. L’attrait de ce moment réside dans le fait que, alors que les deux hommes sont présents pour parler affaires, ils se laissent envelopper par un plaisir pur et sans artifice pendant une minute. Puissions-nous tous nous ouvrir à la joie spontanée.

2. Looking Up at the Moon (Apollo 13)

Au début d’Apollo 13, Tom Hanks, revenu sur Terre dans le rôle de l’astronaute Jim Lovell, expose l’objectif spirituel de la mission imminente de retour sur la Lune. Plutôt que de se laisser porter par ses propres ailes, Lovell – allongé dans son jardin en été avec sa femme, avec la chanson « Beyond the Sea » de Bobby Darin jouant au loin – réfléchit à la façon dont tout a commencé. « Ce n’est pas un miracle, dit-il, nous avons simplement décidé de partir. Alors que les historiens s’attarderont sur la course à l’espace en tant qu’arme de la guerre froide, Lovell, dans le rôle de Hanks, renonce à la politique et s’inspire plutôt tranquillement de ce que signifie continuer à explorer l’inexploré.

1. Opéra (Philadelphie)

Le film qui a valu à Tom Hanks son Oscar est Philadelphia, un drame juridique de 1993 de Jonathan Demme qui explore sans conteste les préjugés anti-homosexuels au plus fort de la crise du sida aux États-Unis. Hanks joue le rôle d’Andy Beckett, un homosexuel atteint du sida qui poursuit ses employeurs pour discrimination illégale. Denzel Washington joue le rôle de son avocat, Joe Miller, qui apprend à surmonter sa propre homophobie. Depuis sa sortie, Philadelphia est considéré comme l’un des premiers films grand public à ne pas rabaisser ses personnages homosexuels, mais au contraire à les incarner comme des personnes ayant des espoirs, des rêves, des regrets et le désir de vivre librement. Un soir, Andy présente à Joe son opéra préféré, la pièce « La momma morta » d’Andrea Chenier. Alors qu’Andy se laisse emporter, Demme, utilisant l’unique source de lumière d’une cheminée, fait pulser la pièce de teintes rouges pour illustrer le répit momentané d’Andy face à son stress. Le fait que la caméra de Demme plane favorise également un sentiment flottant d’évasion désespérée, explorant la façon dont l’art peut transcender la souffrance. Hanks scelle l’affaire en jouant Andy avec une immense empathie, voire de la sympathie, démantelant toutes les notions préconçues que les spectateurs peuvent ou non avoir à l’égard de styles de vie qui ne sont pas les leurs.