Les 35 plus grands remakes de films (qui sont meilleurs que l’original)

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3. Les 35 plus grands remakes de films (qui sont meilleurs que l’original)

Il est communément admis que la plupart des remakes cinématographiques font pâle figure par rapport à l’original. Mais est-ce toujours le cas ? Parfois, et plus souvent qu’on ne le pense, le remake s’avère meilleur que l’original.

L’histoire des remakes cinématographiques remonte aux débuts du cinéma lui-même ; c’est peut-être la preuve que les cinéastes ont toujours été à court d’idées. En 1896, le légendaire réalisateur français Georges Méliès a réalisé un long métrage de 67 secondes intitulé Playing Cards, un film qui « remodelait » un film similaire intitulé The Messers de Louis Lumière. Les deux films ont la même « intrigue » : des hommes assis autour d’une table jouent aux cartes.

Avec plus d’un siècle de films, il y a toujours des histoires qui ont bénéficié d’une seconde chance. Voici 35 remakes de films qui sont en fait meilleurs que l’original.

35. Suspiria

Sans vouloir manquer de respect à Dario Argento, dont le Suspiria original de 1977 reste l’incarnation de l’horreur giallo (la musique, signée Goblin, est toujours aussi évocatrice après toutes ces années). (Mais le remake de Luca Guadagnino en 2018, qui met en vedette Dakota Johnson dans le rôle principal et Tilda Swinton, Mia Goth, Chloë Grace Moretz et d’autres dans des rôles secondaires, est inégalé dans sa magnificence dérangeante. Une expansion remarquable par rapport à l’original avec les touches grandioses de Guadagnino, le Suspiria 2018 est le rare remake d’horreur qui n’est pas seulement bien fait, mais bien fait.

34. Les petites femmes

Le roman de Louisa May Alcott, publié en 1868, a été adapté un nombre incalculable de fois dans toutes sortes de médias : Télévision, comédies musicales, radio, et même d’autres romans qui ajoutent avec humour des loups-garous et des vampires à l’histoire. Pour la plupart des spectateurs, cependant, la version de 1994 avec Winona Ryder et l’adaptation de 2019 de Greta Gerwig, nominée aux Oscars, sont les deux principaux géants (de Little Women – ha, vous comprenez ?). Les deux versions ont leurs fans. Mais la production 2019 de Greta Gerwig – avec Saoirse Ronan, Emma Watson, Florence Pugh, Laura Dern, Timothee Chalamet et Meryl Streep – mérite sa réputation, car elle est une interprétation à la fois fidèle et vivante d’une histoire désormais très familière.

33. Il s’agit

En 1990, It de Stephen King est devenu une minisérie d’horreur nominée aux Emmy Awards sur ABC ; Tim Curry y a joué le rôle de Pennywise le Clown, dont le visage a orné de façon mémorable la couverture de l’emballage VHS du film. En septembre 2017, Andy Muschietti a dirigé un remake beaucoup plus étoffé, digne de l’ère de l’univers cinématographique. Bill Skarsgård a revêtu le maquillage de Pennywise, offrant une performance possédée qui en fait une némésis vraiment redoutable pour les préadolescents traumatisés. Bien que les deux versions aient une dette énorme envers King, le tentpole somptueux de Muschietti à la fin de l’été est un portrait efficace des peurs adolescentes. Mais ne vous embêtez pas avec la suite.

32. Le piège à parents

Ce film était si bon que beaucoup ont admis avoir cru que Lindsay Lohan était une sœur jumelle. En 1998, Nancy Meyers a fait ses débuts de réalisatrice avec une version actualisée de l’original de 1961 (tous deux produits et sortis par Disney), tous deux tirés du roman allemand de 1949 Lisa et Lottie. En plus de Lohan qui porte le fardeau du film (sérieusement, essayez de jouer votre propre jumelle, avec un accent britannique !), le film met également en vedette Dennis Quaid, Natasha Richardson, Elaine Hendrix et Lisa Ann Walter, qui apportent tous une énergie colorée à l’atmosphère décontractée du film. L’original de 61 est mignon, mais la version de 98 se sent comme à la maison.

31. Attraction fatale

Beaucoup seront surpris d’apprendre que Fatal Attraction, un classique de la fin des années 1980 qui a donné le coup d’envoi du boom des thrillers érotiques à Hollywood, est en fait un remake. En bref, le scénariste James Dearden a d’abord écrit l’histoire : Le scénariste James Dearden a d’abord écrit l’histoire et l’a transformée en 1980 en un court métrage intitulé Diversion, qui a été diffusé à la télévision britannique. Des années plus tard, le concept a été remanié pour devenir Fatal Attraction, une production à plus gros budget destinée aux salles de cinéma et réalisée par Adrian Lyne. Aujourd’hui, Fatal Attraction est considéré à juste titre comme un classique moderne, emblématique d’une époque où les films grand public n’avaient pas peur de se salir. Mais son origine en tant que remake prouve que certaines histoires ont besoin d’une seconde chance, et sur un plus grand écran.

30. Certains l’aiment chaud

Les remakes ne sont pas une invention du 21e siècle. Dès les années 1950, les cinéastes hollywoodiens s’inspiraient du cinéma étranger pour en faire des classiques. En 1959, Billy Wilder a réalisé sa célèbre comédie intemporelle Certains l’aiment chaud, dans laquelle Tony Curtis et Jack Lemmon partagent la vedette avec la bombe Marilyn Monroe dans une histoire de musiciens qui se déguisent en femmes et rejoignent une troupe itinérante pour échapper à la mafia. Le film trouve son origine dans le film français Fanfare d’amour de 1935, avec Betty Stockfeld dans le rôle de l’analogue de Monroe. Certains l’aiment chaud est considéré comme l’un des plus grands films de tous les temps et est conservé au National Film Registry, mais le fait qu’il s’agisse d’un remake d’un autre film signifie simplement que personne n’est parfait.

29. Les producteurs

Le remake de 2005 des Producteurs, réalisé par Susan Stroman et adaptant la comédie classique de Mel Brooks de 1967 devenue comédie musicale de Broadway, n’a pas été bien accueilli par la critique à sa sortie. Mais le film de Brooks, qui est devenu un classique culte, ne l’a pas été non plus. Depuis sa sortie en 2005, la version de Stroman – dans laquelle Nathan Lane et Matthew Broderick reprennent leurs rôles dans la production théâtrale – a lentement reçu des éloges rétrospectifs similaires, étant une satire élégante de l’industrie de Broadway et des sensibilités politiquement correctes. L’ironie est présente dans l’histoire, qui raconte comment des producteurs intrigants tentent de faire un flop pour finalement obtenir un succès. Les deux fois où les Producteurs sont devenus des films, ils n’ont pas été des succès immédiats. Ce n’est qu’avec le temps et le recul que les Producteurs trouvent un véritable printemps.

28. Le candidat mandchou

Le roman de Richard Condon, The Manchurian Candidate, paru en 1959, est devenu un film en 1962, une production de John Frankenheimer vénérée pour sa synthèse des angoisses de l’époque de la guerre froide. En 2004, le film a été adapté à la guerre moderne contre la terreur. Sous la direction tendue de Jonathan Demme, Denzel Washington incarne un vétéran de la guerre du Golfe qui assiste à la montée en puissance de l’un des membres de son unité, Raymond Shaw (Liev Schreiber), que sa mère sénatrice ambitieuse (Meryl Streep) prépare à devenir candidat à la vice-présidence. Le film de 1962 est une œuvre imposante, mais le film de 2004 est tout aussi formidable, sinon plus, car il exploite la paranoïa de l’après-11 septembre.

27. Ciel de vanille

Vanilla Sky, l’un des films les plus mystificateurs de Cameron Crowe, est un remake du thriller Open Your Eyes (Ouvrez les yeux) d’Alejandro Amenábar, sorti en 1997. Tom Cruise y joue le rôle d’un éditeur de magazine playboy à New York qui commence à remettre en question sa réalité après un accident de voiture qui l’a laissé gravement défiguré. Penélope Cruz est présente dans les deux versions, jouant le même rôle, celui d’une femme dont le protagoniste principal s’éprend et espère trouver le bonheur. Bien que Vanilla Sky ait polarisé les critiques en 2001, il est depuis devenu un film culte dont on se souvient pour son histoire émotionnelle et sa fin ambiguë.

26. Les dix commandements

Le prolifique réalisateur américain Cecil B. DeMille est revenu au moins deux fois au puits religieux au cours de sa carrière. En 1923, il a dirigé le film muet épique Les Dix Commandements, qui était à l’époque l’une des productions cinématographiques les plus sophistiquées de l’histoire. Un peu plus de 30 ans plus tard, DeMille pousse encore plus loin les limites techniques avec un deuxième film intitulé Les Dix Commandements, qui reprend et développe le prologue de son film précédent. Le classique de 56 fonctionne comme un biopic de Moïse (Charlton Heston) et de sa relation tumultueuse avec son frère adoptif, le pharaon égyptien Ramsès (Yul Brynner), alors que Moïse conduit ses compatriotes hébreux réduits en esclavage hors d’Égypte. Les Dix Commandements, qui reste l’un des films les plus populaires de tous les temps, a établi une nouvelle norme pour le cinéma hollywoodien et éclipse absolument le précédent effort de DeMille.

25. Scarface

Le classique américain du 20e siècle de Brian De Palma met en scène Al Pacino dans le rôle d’un réfugié cubain qui monte en puissance dans le monde interlope de Miami. Une histoire similaire a été racontée dans la version cinématographique de 1932, Scarface, avec Miami et les Cubains remplacés par un immigrant italien ambitieux (joué par Paul Muni) qui navigue dans le Chicago des années 1920. Les deux films s’inspirent du roman de 1930 d’Armitage Trail ; si la version cinématographique de 1932 est plus proche du livre, la version de De Palma a exercé une influence incroyable sur la culture populaire moderne. Certains de ses fans les plus fervents sont souvent des artistes hip-hop, qui fétichisent la réussite de Scarface, qui va de guenilles en richesses, face à une dangereuse adversité.

24. La fille au tatouage de dragon

La série de romans Millenium de Stieg Larsson, publiée à titre posthume, qui met en scène un pirate informatique doté d’une mémoire photographique qui fait équipe avec un journaliste de magazine, a suscité un vif intérêt de la part des studios hollywoodiens, qui souhaitaient en faire la prochaine propriété intellectuelle cinématographique en vogue. Une version cinématographique américaine du premier livre, The Girl with the Dragon Tattoo (avec Rooney Mara et Daniel Crag), a été réalisée par David Fincher et est sortie en 2011. Le fait est qu’elle est sortie deux ans après la production d’une série distincte en Suède, avec les trois livres adaptés à l’écran et Noomi Rapace dans le rôle principal. Alors que la Suède bénéficie d’une trilogie cinématographique complète, on ne peut tout simplement pas rivaliser avec le savoir-faire singulier de Fincher, associé à des acteurs de premier plan tels que Craig et Mara et à une musique d’enfer signée Trent Reznor et Atticus Ross.

23. Sa fille du vendredi

Cette influente screwball comedy, réalisée par Howard Hawks et interprétée par Cary Grant et Rosalind Russell, est en fait un remake d’un autre film de 1931 intitulé The Front Page (les deux sont des adaptations de la pièce de Ben Hecht et Charles MacArthur). (Les deux sont des adaptations de la pièce de Ben Hecht et Charles MacArthur.) Mais His Girl Friday est un géant, sans doute la comédie américaine prototypique qui a donné naissance au terme « Girl Friday » pour désigner une assistante dévouée et digne de confiance (et généralement une femme). En 1974, un remake plus fidèle de The Front Page a été réalisé par la légende du cinéma Billy Wilder, avec Jack Lemmon et Walter Matthau dans les rôles principaux. En dépit de sa notoriété, le film n’arrive pas à la cheville de la version immortelle de Hawks.

22. You’ve Got Mail

S’inspirant d’une pièce de théâtre hongroise de 1937 et du classique de 1940 The Shop Around the Corner, Nora Ephron a supervisé une charmante mise à jour du tournant du siècle, à savoir la comédie romantique You’ve Got Mail de 1998. Fermement ancré dans son contexte contemporain – à l’apogée de la bulle Internet et de la montée naissante des géants de la librairie comme Barnes & Noble – Tom Hanks et Meg Ryan jouent des rivaux dans le monde de l’édition qui, à leur insu, s’éprennent l’un de l’autre par le biais de courriels anonymes sur AOL. Aussi lumineux qu’une promenade dans le parc en été et aussi douillet qu’une couverture en tricot en hiver, You’ve Got Mail a tout pour plaire. Même avec sa technologie désuète, il est bien plus intemporel que son prédécesseur.

21. L’homme qui en savait trop

Si l’on veut être technique, L’homme qui en savait trop de 1956 n’est pas vraiment un remake. L’original de 1934 et la version plus populaire de 1956 ont tous deux été réalisés par Alfred Hitchcock. Bien qu’ils portent le même titre et que leur histoire soit similaire – un couple de voyageurs en vacances est impliqué dans une conspiration internationale après l’enlèvement de leurs enfants -, ils diffèrent tous deux au niveau de l’intrigue, des personnages et de l’exécution générale. Pour la plupart des gens, la version de 56 est supérieure à l’originale, avec plus de stars et un Hitchcock plus expérimenté qui applique un art raffiné derrière la caméra. Si vous deviez poser la question à Hitchcock lui-même, comme l’a fait le cinéaste français François Truffaut pour son livre de 1966, Hitchcock aurait plaisanté : « Disons que la première version est l’œuvre d’un amateur talentueux et la seconde celle d’un professionnel ».

20. Les vrais mensonges

L’un des plus grands succès hollywoodiens des années 1990 est en fait le remake d’un film français. La Totale, sorti en 1991, raconte l’histoire d’un père de famille qui travaille comme agent secret et utilise ses compétences professionnelles pour retrouver sa famille – une décision qui a des conséquences inattendues. Quelques années plus tard, en 1994, James Cameron et Arnold Schwarzenegger ont fait équipe pour True Lies, un remake excitant mais optimiste qui recadre le père de famille (Schwarzenegger) en un agent du gouvernement américain qui a du mal à trouver un équilibre entre sa vie professionnelle et sa vie privée. True Lies, qui fut à l’époque l’un des films hollywoodiens les plus chers jamais réalisés, est aujourd’hui considéré comme l’un des meilleurs films de son époque, et surtout de la carrière de Schwarzenegger.

19. Dredd

Le mauvais souvenir du ratage de Sylvester Stallone en 1995 a peut-être empêché le public d’aller voir Dredd en 2012, la deuxième version cinématographique de la bande dessinée britannique. Bien que Dredd ait fait un bide au box-office, ceux qui l’ont vu ont juré, et jurent encore, qu’il s’agit d’un grand film. Ils ont raison. Dredd est un film de science-fiction de minuit qui raconte l’histoire du juge Dredd (Karl Urban), un policier respectueux des principes dans un avenir dystopique, qui accueille une nouvelle partenaire (Olivia Thirlby) et qui se retrouve enfermé dans un complexe d’appartements dirigé par un baron du crime (Lena Headey). Dredd surpasse l’original à tous points de vue : sinistre, grinçant et parfois magnifique.

18. Le Blob

Il est difficile de ne pas rire d’un film comme The Blob. Il s’agit d’une gélatine extraterrestre rose qui dévore lentement une petite ville entière. C’est difficile de s’enfuir, n’est-ce pas ? Mais si le film original de 1958, avec Steve McQueen, est gaffeur dans toute sa gloire de film de série B, le remake de 1988 du réalisateur Chuck Russell, avec Kevin Dillon, est comparativement plus perspicace et plus frappant. Avec toutes les touches de l’époque faste des années 80 et des allusions prémonitoires aux théories conspirationnistes du gouvernement, The Blob ’88 est bien plus que ce que ses apparences flasques et informes laissent supposer.

17. La cour la plus longue

Pour être clair, le remake de 2005 de The Longest Yard n’est pas exactement meilleur que l’original de 1974 avec Burt Reynolds. C’est juste que les deux grattent des démangeaisons très différentes en fonction de l’humeur de chacun. Alors que l’original de 1974 est un film rude et dur avec des éclairs de noirceur, le remake de 2005 est un véritable coup de fouet grâce aux performances hilarantes d’Adam Sandler, de Chris Rock, de Nelly, de William Fichtner et d’un vestiaire d’anciens lutteurs professionnels comme Bill Goldberg, Kevin Nash, « Stone Cold » Steve Austin, et même The Great Khali. Bien qu’il soit difficile de s’attaquer à l’original, le remake de 2005 est obscène et grossier, avec beaucoup d’attitude.

16. Hairspray

C’est un sacrilège de dire qu’un remake aseptisé et à plus gros budget d’un film de John Waters est « meilleur » que l’original. Mais que vous soyez ou non en train de vous délecter du Hairspray 2007 du réalisateur Adam Shankman, il est indéniable qu’il a été et reste l’une des comédies musicales les plus réussies de son époque. Les deux films se déroulent à Baltimore, au début des années 60, et suivent une adolescente bien dans sa peau qui aspire à devenir danseuse dans une émission de télévision populaire ; ce faisant, elle se heurte à la discrimination raciale contemporaine. La version 2007 est une adaptation de la version musicale de Broadway du film de Waters, qui a été créée en 2002 et a remporté le Tony de la meilleure comédie musicale en 2003.

15. 3:10 to Yuma

Quelques années après avoir dirigé le biopic Walk the Line de Johnny Cash, le réalisateur James Mangold est resté fidèle à l’esthétique des cow-boys et des durs à cuire pour son remake du western classique de 1957 3:10 to Yuma. Amélioré en tous points par rapport à l’original, le film de Mangold bénéficie de la mise en scène assurée et séduisante du réalisateur, ainsi que des excellentes performances de Russell Crowe et Christian Bale, ce dernier assumant la dangereuse mission d’escorter un hors-la-loi (Crowe) jusqu’à la justice. 10 ans plus tard, Mangold a revisité une version différente de la même histoire, en utilisant Wolverine, le personnage populaire des X-Men joué par Hugh Jackman, dans Logan, une épopée inspirée de l’Ouest et classée R.

14. L’homme en feu

On ne peut pas faire mieux qu’une collaboration entre Tony Scott et Denzel Washington. Basé sur le roman de 1980 de A.J. Quinnell, Man on Fire a d’abord été un film différent de 1987 avec Scott Glenn dans le rôle principal. Tony Scott avait espéré réaliser le film cette première fois, mais avec un seul film à son actif à l’époque – The Hunger en 1983 – il a été jugé trop inexpérimenté pour s’atteler à la tâche. Les années ont passé et l’opportunité d’adapter à nouveau le livre s’est présentée à lui. Scott a saisi cette chance et a réalisé un véritable classique de l’action du nouveau millénaire. Parfois, la patience est vraiment une vertu.

13. La mouche

La version originale de 1958 de La Mouche est un film étrange et grotesque, surtout pour l’époque. Mais ce dont l’histoire avait vraiment besoin, c’était de David Cronenberg. En 1986, l’iconoclaste cinéaste d’horreur, connu pour son fétichisme de l’horreur corporelle, a fait ses débuts dans le grand public avec La Mouche, un remake du film de 1958. Avec Jeff Goldblum dans le rôle principal, La Mouche raconte l’histoire d’un scientifique qui se transforme lentement en une créature mi-homme, mi-mouche. C’est un postulat qui ne demande qu’à être exploité par Cronenberg, et le film de Cronenberg est en effet la seule version qui vaille la peine d’être vue.

12. Le Livre de la Jungle

Le remake du Livre de la Jungle par Jon Favreau en 2016 n’était pas la première fois que Disney commandait un remake de son propre classique d’animation. En 1994, Jason Scott Lee a joué aux côtés de Cary Elwes, Lena Headey (avant Game of Thrones), Sam Neill et John Cleese dans une autre adaptation en prise de vue réelle du livre original de Rudyard Kipling, réalisée par Stephen Sommers. Mais en 2016, dans le cadre de l’obsession renouvelée de Disney de refaire tout ce qu’elle a dans son portefeuille, elle a de nouveau refait Le Livre de la Jungle. À la surprise générale, la vision de Favreau est époustouflante et obsédante, avec des effets visuels hypnotiques de haute fidélité. Tous les remakes modernes de Disney ne valent pas le temps qu’il faut pour les lancer sur Disney+, mais Le Livre de la Jungle est une nécessité rare – et indispensable.

11. Une étoile est née

Il semble que chaque génération ait sa version de A Star Is Born. Mais avec le recul, on a l’impression que tout a mené au succès de Bradley Cooper et Lady Gaga aux Oscars 2018, et au troisième remake du drame original de 1937. À la fois réalisateur, coscénariste et vedette du film, Bradley Cooper insuffle de la verve à sa production, face à une Lady Gaga puissante ; les deux interprètent des musiciens qui tombent amoureux et se catapultent l’un l’autre sous les feux de la rampe, avant d’être rattrapés par leurs démons personnels. Avec une bande originale totalement originale, ancrée par l’imperturbable « Shallow », A Star Is Born prouve que tous les remakes ne sont pas condamnés à s’effacer devant les originaux.

10. Ben-Hur

Encouragé par le succès de la Paramount avec Les Dix Commandements, le studio rival MGM se lance dans une nouvelle adaptation de Ben-Hur, quelque 25 ans après la sortie de la version originale du film muet de 1925. (Même à l’époque, les studios tenaient à s’appuyer sur ce qui avait fonctionné auparavant). En engageant Charlton Heston pour jouer le rôle-titre de Judah Ben-Hur, la MGM s’est efforcée de siphonner un peu de la puissance imparable des Dix Commandements, en entourant Heston de décors encore plus élaborés. La scène marquante de la course de chars du film, qui a coûté au studio des millions en monnaie de 1959, est devenue à elle seule une légende du cinéma.

9. Le parfum d’une femme

Hollywood peut-il sentir le succès au box-office ? Quelques-uns l’ont peut-être senti en 1992, lorsque Martin Brest a dirigé le remake du drame italien Profumo di donna (1974), lui-même basé sur une histoire de Giovanni Arpino. Les versions italienne et américaine racontent l’histoire d’un vétéran militaire à la retraite qui fait appel à un homme plus jeune pour l’aider. La version américaine associe Al Pacino à Chris O’Donnell et raconte de manière réconfortante et déchirante l’histoire de deux hommes dont les chemins de vie sont complètement opposés et qui apprennent à mieux se comprendre. Le film a été nommé pour de nombreux Oscars, et Pacino a remporté le prix du meilleur acteur lors de la 65e cérémonie des Oscars.

8. Les disparus

Avant que Martin Scorsese ne réalise The Departed, il y avait Infernal Affairs. Co-réalisé par Andrew Lau et Alan Mak, ce thriller d’action hongkongais de 2002 raconte l’histoire d’un policier infiltré dans un gang de la Triade, tandis qu’un autre policier sert d’espion à la Triade. Infernal Affairs a donné naissance à une trilogie acclamée par la critique, mais Scorsese a conservé son épopée musclée de 2006, The Departed, pour n’en faire qu’un seul film. Si toutes les versions de l’histoire sont d’excellente qualité et réalisées par des metteurs en scène de premier plan, The Departed est un véritable classique américain qui n’est éclipsé que par les autres films de Scorsese.

7. True Grit

C’est aux frères Coen qu’il revient de surpasser un classique de John Wayne. En 2010, les cinéastes d’auteur ont sorti leur géant néo-western True Grit, le deuxième remake du roman de Charles Portis. Jeff Bridges y incarne un homme de loi alcoolique engagé par une adolescente fermière (Hailee Steinfeld) pour poursuivre le hors-la-loi qui a tué son père. Ils sont rejoints par un Texas Ranger (Matt Damon), qui est à la recherche du même homme. True Grit est un film splendide avec toutes les marques de fabrique des Coen qui ajoutent une bonne dose de « grit » à leur travail, ce qui en fait un film bien plus digne que l’original de 69, tout aussi influent. La version des Coen n’a remporté aucun des Oscars pour lesquels elle était nominée, mais le fait qu’elle soit entrée dans la danse n’est pas anodin.

6. Dune et Dune : Deuxième partie

Dune de David Lynch, adaptation du roman de science-fiction de Frank Herbert, est une sorte d’échec ambitieux. Il y a une vision, mais tout n’est pas mis en place comme il le faudrait. Entrons dans le vif du sujet : La duologie Dune de Denis Villeneuve, qui amplifie la saga de science-fiction politique d’Herbert en un thriller militaire sablé sur les dangers des révolutions messianiques. Un casting de stars, mené par Timothee Chalamet, donne vie à l’histoire d’Herbert avec un impact maximal. Villeneuve, lui aussi, s’affirme comme un auteur moderne qui a su capter l’émerveillement d’Arrakis grâce à une mise en scène majestueuse.

5. L’homme invisible

À la suite de l’effondrement du Dark Universe, les Universal Monsters se sont retrouvés sous la garde de divers cinéastes une fois de plus. Leigh Whannell, dont le film d’horreur de science-fiction Upgrade, sorti en 2018, est devenu un film culte, a pris le contrôle de la version 2020 de L’homme invisible, qui apporte une touche moderne, digne de l’ère #MeToo-, à l’original de 1933. Le film de Whannell explore des thèmes féministes d’actualité dans l’histoire d’une femme (Elisabeth Moss) qui lutte pour échapper à l’emprise de son partenaire (Oliver Jackson-Cohen), PDG d’une entreprise technologique riche et abusive, dont elle pense qu’il la traque dans une combinaison d’invisibilité de pointe. L’Homme Invisible est le rare remake qui réussit à repartir de zéro, offrant quelque chose de si inattendu qu’on ne l’a presque pas vu venir.

4. Le magicien d’Oz

Chaque fois que quelqu’un déplore l’état lamentable d’Hollywood et son insistance sur les remakes, rappelez-lui que certains des plus grands films jamais réalisés étaient des adaptations et des remakes. Un exemple parmi d’autres : L’ultime aventure fantastique, Le magicien d’Oz, avec Judy Garland et réalisé par Victor Fleming, est en fait la deuxième adaptation de l’histoire de L. Frank Baum. Il a été précédé d’une version muette en 1925, qui modifiait radicalement l’histoire et ne ressemblait guère au Magicien d’Oz que le public connaît. Comme il s’agit également d’un film muet, il n’y a pas d’entrée en matière comme « Over the Rainbow ».

3. Ocean’s Eleven

Le plus grand casse hollywoodien du siècle éclipse le Rat Pack. Plus de 40 ans après le premier Ocean’s Eleven, qui mettait en vedette Frank Sinatra, Dean Martin, Sammy Davis Jr. et bien d’autres, Steven Soderbergh s’est associé à George Clooney, Matt Damon, Brad Pitt et Julia Roberts pour un remake vibrant qui se déroule dans le Las Vegas d’aujourd’hui. Comme tout plan bien ficelé visant à dévaliser les magnats des casinos, la version d’Ocean’s Eleven de Soderberg est intelligente et charismatique, un joyau d’évasion rempli de personnages que nous aimerions imiter (sans risquer la prison). Le film original du Rat Pack avait peut-être de la classe, mais la version de 2001 a du style à revendre.

2. La Chose

Pièce maîtresse du cinéma d’horreur des années 1980 et l’un des meilleurs films réalisés par John Carpenter, The Thing tire ses origines de la nouvelle de 1938 de John W. Campbell Jr. et du film de 1951 La Chose d’un autre monde, nettement moins inspirant. La version de Carpenter transporte le film de l’Alaska enneigée à l’Antarctique glacé, avec un centre de recherche déchiré par un parasite extraterrestre métamorphe. Véritable jalon du cinéma d’horreur, le film de Carpenter a surmonté des critiques médiocres et un box-office glacial pour devenir un classique américain qui a influencé d’innombrables autres artistes dans le monde entier.

1. Chaleur

Tout se résume à la scène du dîner. Heat, la grande épopée policière de Michael Mann à Los Angeles, a en fait vu le jour grâce à Mann, qui l’a d’abord développée sous la forme d’un pilote télévisé devenu un téléfilm, L.A. Takedown. Après l’échec de L.A. Takedown, Mann a remanié le scénario et l’a transformé en Heat, qui est devenu un classique moderne avec son affrontement entre Al Pacino (dans le rôle d’un inspecteur de la police de Los Angeles stressé) et Robert De Niro (dans le rôle d’un criminel de carrière sans états d’âme). Certes, L.A. Takedown contient une scène similaire entre les mêmes personnages, mais elle fait pâle figure en comparaison de l’électricité que Pacino et De Niro sont capables de générer.