Les 32 plus grands moments des films Disney

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3. Les 32 plus grands moments des films Disney

Depuis la sortie du film Blanche-Neige et les sept nains en 1937, Disney est synonyme d’histoires intemporelles et de savoir-faire de qualité. S’il est vrai que tous les films produits par le studio ne sont pas des succès retentissants, il est indéniable que Disney est un nom connu dans le monde entier. Et ce, pour une bonne raison. Depuis de nombreuses années, Disney réalise des films qui rassemblent les familles. Lecteur, lectrice, lecteur, lectrice de l’écran : Quels sont les moments les plus beaux des films Disney ?

S’inspirant à l’origine des contes de Grimm et du folklore européen, Disney a depuis élargi son vaste royaume pour raconter (et redire) des histoires de tous horizons, des mythologies aux histoires orales, en passant par les bandes dessinées. Pour célébrer la continuité de l’histoire du studio, voici les 32 plus grands moments des films Disney de tous les temps. (Petite précision : nous excluons les films Pixar, qui constituent une catégorie à part entière).

32. Mulan prend la place de son père (Mulan)

Il suffit de lire les prémisses du film Mulan de Disney, librement inspiré de l’héroïne folklorique chinoise, pour susciter des émotions grâce aux thèmes de la famille, du devoir et de l’honneur qu’il aborde. Mais voir le moment où Mulan (interprétée par Ming-Na Wen) prend la place de son père dans l’armée et se déguise en homme, c’est autre chose. Sur fond d’orage dramatique, Mulan fait ce qu’aucune princesse Disney n’avait jamais fait avant elle – prendre les armes – et la scène qui en résulte est un portrait exquis de l’héroïsme et de la bravoure, tous issus de l’amour pour les personnes qui comptent le plus.

31. The Rocketeer Blasts Off (The Rocketeer)

Avant que les Avengers ne soient rassemblés sous le vaste empire de Disney, il y avait le Rocketeer, un super-héros original du créateur Dave Stevens. Dans la version cinématographique de la bande dessinée de Stevens réalisée par Joe Johnston en 1991, le Rocketeer (interprété par Billy Campbell) s’envole pour la première fois dans le ciel pour sauver un pilote lors d’un spectacle aérien qui a mal tourné. Bien que les effets visuels soient relativement primitifs par rapport à ce que l’on peut voir dans le Marvel Cinematic Universe, la séquence entière est toujours aussi amusante, car elle constitue un retour affectueux et nostalgique à l’âge d’or des super-héros.

30. Les montagnes russes hawaïennes (Lilo & Stitch)

Il n’y a pas de meilleur remède contre la déprime qu’une paire de planches et quelques bonnes vagues. Dans Lilo & Stitch, l’un des rares films d’animation non musicaux de Disney, les sœurs Nani et Lilo, déprimées, n’ont plus le temps de trouver un emploi pour Nani, ce qui éviterait à Lilo d’être placée dans une famille d’accueil. Alors que le soleil se couche, les sœurs – ainsi que le beau David et l’extraterrestre enragé Stitch – choisissent d’oublier leurs problèmes et de se suspendre, laissant chaque vague les emporter loin des problèmes qui les attendent sur la terre ferme. Animée par la pétillante chanson à succès « Hawaiian Roller Coaster Ride », cette scène inoubliable montre ce que signifie surfer avec l’océan plutôt que de nager à contre-courant.

29. Le feu de l’enfer (Le Bossu de Notre-Dame)

Toute comédie musicale de Disney a forcément une chanson de méchant qui tue. Mais la chanson de Frollo « Hellfire » ne ressemble à aucune autre. Enracinée dans l’hypocrisie des hommes pieux et le conflit intérieur que l’on retrouve chez tous ceux qui sont dévoués aux dogmes qu’ils ont choisis, « Hellfire » dévoile les motivations réelles et remarquablement humaines du méchant juge Claude Follo (Tony Jay). Hanté par des esprits enflammés et des membres du clergé encapuchonnés, Frollo chante son désir regrettable pour la belle Esmeralda (interprétée par Demi Moore), révélant un homme qui n’est pas déterminé à amasser des pouvoirs cosmiques ou à dominer des royaumes. Au contraire, c’est juste un homme qui veut une femme. Et parce qu’il ne peut pas l’avoir, personne ne peut l’avoir. C’est effrayant, et pour beaucoup de gens, c’est tragiquement familier.

28. L’apprenti sorcier (Fantasia)

En réalité, la quasi-totalité de Fantasia peut être considérée comme un grand moment pour Disney. Alors que la musique classique était traditionnellement populaire dans les films d’animation du début du XXe siècle, Fantasia était différent en ce sens qu’il imaginait un ton plus sérieux, contrairement à la comédie burlesque commune aux dessins animés plus conventionnels. Mais le court métrage central de Fantasia est aussi le meilleur et sans doute le plus définitif de la magie narrative de Disney. Il s’agit bien sûr de « L’apprenti sorcier », dans lequel Mickey Mouse est chargé d’une tâche par son maître sorcier Yen Sid et son plan pour raccourcir le travail crée, ahem, une avalanche de problèmes. Le film n’est pas seulement beau à regarder, il est aussi drôle, mignon et instructif, et sa principale leçon – rien ne remplace le travail acharné – résonne lorsque Mickey, silencieux et maussade, finit par faire ce qu’on lui a demandé.

27. Se balancer dans les arbres (Tarzan)

La Renaissance Disney est pleine de films techniquement éblouissants qui nous ont tous fait dire : « Vous pouvez faire ça dans un dessin animé ? » En 1999, Disney a sorti Tarzan, basé sur l’histoire classique d’Edgar Rice Burroughs, avec une musique incroyablement géniale de Phil Collins. Clôturant le premier acte, qui montre comment un bébé garçon devient un homme élevé par des singes, un Tarzan adulte se balance de liane en liane et « surfe » à travers les arbres dans un exploit étonnant de la réalisation de films d’animation. Le film dure à peine 20 secondes, mais c’est un véritable coup de théâtre, l’aboutissement d’un siècle d’évolution de l’industrie et d’un tout petit peu d’effets informatiques pour préfigurer l’avenir du nouveau siècle.

26. Heigh Ho ! (Blanche-Neige et les sept nains)

Laissez-moi deviner : vous l’avez déjà en tête. La présentation des sept nains qui viennent soutenir la belle Blanche-Neige est mémorable : ils sont introduits à l’intérieur d’une mine de bijoux, ramassant et griffant des joyaux inestimables et chantant à ce sujet avec un jingle accrocheur. Le plus important est la façon dont les sept nains sont présentés individuellement, non pas avec des paroles qui attirent l’attention sur eux, mais simplement par la façon dont ils agissent et se comportent tout au long du film. (Pour beaucoup, c’est avec « Heigh Ho ! » que l’on apprend à siffler.

25. Au revoir, Baymax (Big Hero 6)

A l’origine un titre très obscur de Marvel Comics, Big Hero 6 montre qu’un peu de la précieuse touche de Disney peut créer une véritable magie. Dans Big Hero 6, l’adolescent génial Hiro rend hommage à son défunt frère Tadashi en transformant sa création, un robot assistant médical câlin nommé Baymax (interprété par Scott Adsit), en un super-héros qui déchire les fesses. Mais à la fin du film, Baymax propose de se sacrifier pour sauver Hiro, et sa question emblématique – « Êtes-vous satisfait de vos soins ? » – prend alors tout son sens. – prend une signification plus profonde. Le mérite en revient à Scott Adsit, dont la voix off est remarquablement humaine.

24. Le retournement des cheveux (La Petite Sirène)

À l’aube de la période de renaissance de Disney, La Petite Sirène a établi un nouveau standard de qualité pour les films Disney. Si La Petite Sirène regorge de moments extraordinaires sous la mer – y compris une chanson méchante de tous les temps, « Poor Unfortunate Souls » – il y a un passage de huit secondes qui a nourri l’imagination de toute une vie. Lorsqu’une Ariel transformée (avec deux jambes) nage vers la surface pour la première fois, elle renverse ses cheveux en arrière, le scintillement des éclaboussures d’eau ne pouvant être distingué de la magie qui a totalement modifié son corps. Entre l’éclairage réaliste de la scène et la majesté visuelle générale, vous avez là un moment qui résume à quel point la beauté et la magie sont inextricablement liées.

23. Porter la bannière (Newsies)

Le numéro d’ouverture de Newsies, la comédie musicale pro-syndicale de Disney, est l’idéal platonique de toutes les comédies musicales cinématographiques. Non seulement il fixe les attentes pour tous les styles musicaux – dans ce cas, le ragtime jazzy de la fin des années 1890 – mais il raconte également la vie quotidienne d’orphelins surmenés qui luttent chaque jour sous le joug oppressif du capitalisme de connivence. C’est entraînant, c’est vivant, la chorégraphie est légitimement impressionnante et le son n’est jamais le même pendant les cinq minutes que dure la pièce. Atout majeur : un Christian Bale très jeune, avant Batman, y déploie ses talents de future star de cinéma.

22. Sauvages ! (Pocahontas)

Chant de guerre tonitruant soulignant la façon dont les préjugés raciaux font de nous tous des barbares, le numéro « Savages » du film Pocahontas de Disney est à la hauteur du mot « épique », même si le monde n’est pas en jeu. Alors que l’histoire affirme à juste titre que la colonisation européenne a fait plus de mal que de bien, pour un film de Disney, Pocahontas s’enorgueillit de métaphores visuelles frappantes qui suggèrent subtilement comment nos tendances tribales nous rendent inhumains. Observez comment les colons blancs sont éclairés en rouge par leur feu rageur, tout en chantant à propos des Indiens « rouges » inhumains – et comment les Amérindiens, peints en bleu au clair de lune, mettent en garde contre la violence des hommes pâles. Nous pourrions tous bénéficier d’un peu d’introspection.

21. Bette Midler te jette un sort (Hocus Pocus)

Lorsque la saison effrayante arrive, il n’y a rien de mieux que de faire la fête avec trois sorcières de Salem. Hocus Pocus est un classique d’Halloween pour toutes les raisons évidentes, mais Bette Midler s’est assurée de sa qualité intemporelle grâce à son grand numéro musical « I Put a Spell on You », qui illustre en fait sa méchanceté d’une manière intelligente. Non seulement Winnie s’adapte étrangement aux décors modernes, mais elle ne ressent même pas le besoin de cacher exactement ce qu’elle fait : jeter un sort sur les gens. C’est horrifiant parce que les gens s’en fichent, tant que vous savez comment vous y prendre pour faire un bon spectacle.

20. Une promenade à Central Park (Enchanted)

Avant que Disney ne prenne la mauvaise habitude de transformer toutes ses comédies musicales animées en films en prises de vues réelles, la société s’est livrée à une satire de cette même idée avec la comédie musicale à succès Enchanted, sortie en 2007. Avec Amy Adams et Patrick Dempsey, le film se moque affectueusement des conventions des films de Disney, notamment des numéros musicaux spontanés à la chorégraphie élaborée. Si « That’s How You Know » est une excellente chanson en soi, elle est rehaussée par un Robert (Dempsey) perplexe, qui ne comprend pas comment tous les habitants de Central Park savent chanter dans le ton et danser à la demande.

19. Old Yeller Gets Rabies (Old Yeller)

Les premiers Disney avaient vraiment la manie de tuer les animaux, n’est-ce pas ? Aussi emblématique que Bambi et Le Roi Lion, Old Yeller est surtout connu pour l’amitié étroite entre l’adolescent Travis (Tommy Kirk) et son chien, un Cur à gueule noire nommé Old Yeller, mais cette amitié se termine par une douloureuse tragédie. Lorsque Old Yeller développe la rage et devient un chien hostile qui grogne horriblement à la vue de tout humain, y compris Travis, c’est à ce dernier qu’il incombe de l’abattre. Le film est un autre exemple de Disney montrant le caractère impitoyable de la nature, et que même les meilleurs liens peuvent être brisés.

18. Parler de Bruno/Rencontrer Bruno (Encanto)

La honte familiale se mêle aux mélodies colombiennes dans l’un des numéros Disney les plus mémorables et les plus envoûtants des années 2020. Dans le film Encanto, sorti en 2021, Maribel (Stephanie Beatriz) en apprend davantage sur son oncle Bruno (John Leguizamo), un devin dont on ne parle qu’à voix basse. Alors que le numéro, ridiculement accrocheur et groovy, fait un excellent travail en présentant Bruno comme un autre méchant mystique de Disney, la vérité frappe fort lorsque Maribel le rencontre et découvre qu’il n’est qu’un homme qui veut faire partie de sa famille. Avec ses métaphores sur la maladie mentale et la façon dont les familles noient leur culpabilité dans une cruauté insouciante, Bruno fait en sorte qu’Encanto soit plus qu’une simple comédie musicale de Disney.

17. Light Cycles (Tron)

Dans un cas étrange et exceptionnellement rare d’effets visuels dépassés qui s’améliorent avec l’âge, il y a l’épopée de science-fiction Tron, réalisée en 1982. Réalisé par Steven Lisberger avec des images de synthèse de pointe, Tron se déroule dans un monde virtuel où Flynn (Jeff Bridges), développeur de jeux vidéo, est transporté dans un jeu d’arcade et doit participer physiquement à des jeux, dont une course mortelle à bicyclette lumineuse. A la fois la séquence la plus proche des années 80 et la plus en avance sur son temps, Tron nous a tous donné envie de monter nous-mêmes sur des cycles lumineux et de rouler vers la victoire – ou vers la mort.

16. Quand tu rêves d’une étoile (Pinnochio)

Le classique de Disney, Pinnochio, débute par la chanson qui a littéralement défini Disney lui-même, fonctionnant comme le motif thématique emblématique de la société pendant des décennies. Au début de Pinnochio, le générique est rythmé par des cordes colorées et un chœur angélique, avant que la voix grave de Cliff Edwards ne nous chante : « Quand vous faites un vœu sur une étoile/cela ne fait aucune différence qui vous êtes/tout ce que votre cœur désire viendra à vous ». C’est une idée douce et sentimentale qui nous donne envie de croire que la magie peut être réelle, surtout dans les moments où nous avons le plus besoin d’y croire.

15. Bambi survit (Bambi)

Bambi a été et reste l’un des plus grands films de Disney pour une bonne raison. Outre sa conception et son animation époustouflantes, ses thèmes de l’amour, de la mort et du chaos incontrôlable du monde extérieur sont universellement instructifs pour les spectateurs trop jeunes pour comprendre ce que signifie la perte d’un être cher. Si le moment où Bambi meurt est emblématique au point de donner lieu à d’innombrables parodies, il n’en reste pas moins un moment important pour le canon Disney, car il démontre que les divertissements pour enfants ne sont pas forcément dépourvus de sens.

14. Elsa Lets It Go (Frozen)

Nous présentons nos sincères excuses aux parents dont nous venons de décongeler les souvenirs de la fièvre de Frozen, mais il est impossible de contester l’impact que « Let It Go » a eu à une époque. Dans le classique de Disney de 2013, la princesse Elsa affirme son individualité loin des regards étouffants d’Arendelle en allant là où ils ne pourront jamais, au grand jamais, l’ennuyer. Outre le fait que « Let It Go » est un véritable tube de karaoké, le numéro emblématique d’Elsa est un véritable spectacle à voir, avec de superbes images centrées sur la montée instantanée du château de glace privé d’Elsa.

13. Un tout nouveau monde (Aladin)

Ne vous avisez pas de fermer les yeux. Jasmine (dont la voix est celle de l’incomparable Lea Salonga) et Aladdin font un tour du monde en tapis volant, une séquence qui ressemble à ce que l’on ressent quand on tombe amoureux de quelqu’un. On a l’impression de voler, et il n’y a rien de comparable sur Terre. Grâce à son lyrisme et à son atmosphère romantique, cette scène vous emmène par-dessus, par-dessus et par-dessous, dans un endroit éblouissant que vous ne connaissiez pas.

12. Prochain arrêt : Neverland (Peter Pan)

Si vous regardez suffisamment de films de Disney, vous commencerez à repérer les mêmes idées récurrentes : les animaux orphelins, le baiser du grand amour et, bien sûr, la magie du vol. Dans Peter Pan, Wendy et les enfants sont saupoudrés de poussière de fée par Peter Pan et deviennent capables de voler. Tout ce qu’ils ont à faire, c’est d’avoir des pensées heureuses. (Si cette scène n’impressionne pas le public moderne, habitué à des séquences plus sophistiquées sur le plan technique, elle n’en reste pas moins une pure magie Disney, qui reste intemporelle après tant d’années.

11. L’arrivée d’un pirate (Pirates des Caraïbes : La malédiction du Black Pearl)

Il n’y a tout simplement jamais eu de personnage comme le capitaine Jack Sparrow, que ce soit avant ou depuis. Incarné par Johnny Depp, ce boucanier rock star ensoleillé et ivre de rhum fait sa première apparition dans le premier film de Pirates des Caraïbes en pleine forme, portant dans ses yeux globuleux toute une vie d’aventures. Bien que le capitaine Jack soit un triste cas de gâchis d’une bonne chose, il y a toujours quelque chose d’ineffable dans sa première apparition. Puissions-nous tous apprendre à débarquer des navires en perdition avec autant de nonchalance.

10. Les nécessités de l’ours (Le livre de la jungle)

On n’obtient pas « Hakuna Matata » sans avoir appris à connaître le strict nécessaire. Dans Le Livre de la jungle, Mowgli apprend de Baloo (interprété par Phil Harris) le secret d’une vie bien remplie : avoir peu de complications. Bien que Baloo enseigne littéralement à Mowgli comment survivre grâce aux ressources naturelles de la Terre, la chanson a une signification plus large : elle enseigne aux jeunes spectateurs comment avoir une approche plus zen de la vie moderne. Avant Marie Kondo, avant les tendances minimalistes sur TikTok, il y avait un grand ours dansant qui nous montrait comment regarder sous les pierres et jeter un coup d’œil aux fourmis fantaisistes.

9. Dîner de spaghettis pour deux (La dame et le clochard)

Elle est tellement iconique et omniprésente, mais elle n’a toujours pas perdu son pouvoir. Dans l’inoubliable dîner chez Tony, Tramp emmène Lady pour un dîner italien aux chandelles, où ils se bécotent accidentellement en mangeant des spaghettis. Gardez à l’esprit que la scène est entièrement animée dans le vieux style Disney dessiné à la main ; des visages expressifs et chérubins des chiens à la chaleur intime d’un dîner dans une ruelle, tout dans ce moment semble vivant, vibrant de l’excitation d’une romance naissante.

8. Un conte vieux comme le monde (La Belle et la Bête)

Si l’on met de côté toute velléité de syndrome de Stockholm, la scène de la salle de bal entre la belle Belle et la Bête reste un moment Disney inoubliable. Alors que « La Belle et la Bête » est chantée par l’incomparable Angela Lansbury, Belle et la Bête tournent et virevoltent dans une salle de bal dorée et ornée, rendue par des images de synthèse primitives, mais non moins impressionnantes. Mélange d’animation traditionnelle de Diseny et de nouvelles disciplines de pointe, La Belle et la Bête montre que même des contes aussi vieux que le temps peuvent encore trouver de nouvelles façons d’être racontés.

7. Les couleurs du vent (Pocahontas)

Sans doute l’un des plus beaux numéros musicaux Disney de tous les temps, « Colors of the Wind » – chanté par Judy Kuhn, la voix de Pocahontas – raconte plusieurs histoires à la fois. Bien qu’il s’agisse avant tout d’une conférence sur la préservation de la nature du point de vue de Pocahontas à John Smith, qui n’est qu’un visiteur sur sa terre natale, la chanson s’étend lentement à une macro-échelle pour ressembler à un appel passionné de tous à réfléchir plus attentivement à notre relation avec cette Terre ancienne et magnifique. Comme le dit Pocahontas dans la chanson : Vous pouvez posséder la Terre, mais tout ce que vous posséderez sera la Terre jusqu’à ce que vous compreniez réellement ce que signifie ne faire qu’un avec elle.

6. Une cuillerée de sucre (Mary Poppins)

Ce n’est pas parce qu’on doit faire quelque chose qu’on ne peut pas s’amuser un peu en cours de route. Dans Mary Poppins, Julie Andrews, d’une beauté incroyable, demande aux deux enfants qu’elle garde de prendre leurs responsabilités et de ranger leur chambre. Mais elle leur montre comment le faire avec le sourire, car une cuillerée de sucre aide vraiment à faire passer le médicament. Il faut féliciter Julie Andrews pour avoir rendu cette scène aussi merveilleuse qu’elle l’est, dont l’énergie enjouée s’accorde parfaitement avec le son enjoué.

5. La métamorphose d’une fée marraine (Cendrillon)

Il s’agit d’un trope qui a fini par définir les contes fantastiques de Disney, et qui fonctionne toujours parce qu’il est toujours aussi puissant de croire en lui. Dans Cendrillon, la pauvre princesse orpheline de Disney se lamente d’avoir raté le bal, mais sa marraine la fée vient à son secours à la dernière minute. Non seulement le moment où Cendrillon « enfile » sa robe reste une prouesse technique, mais tout y respire l’élégance intemporelle. De plus, qui n’aurait pas envie d’entrer dans la période la plus chaude de l’année dans un manège de citrouilles décoré ? C’est un moment qui définit la « belle du bal ».

4. Tuer le dragon (La Belle au bois dormant)

À tous ceux qui pensent que les vieux films de Disney sont étouffants, ennuyeux et dépourvus d’action, il faut répondre par l’affirmative. L’affrontement audacieux du prince Philippe contre Maléfique – sous sa forme redoutable de dragon cracheur de feu – est toujours un match passionnant et profondément formateur pour tous les jeux de rôle et les combats de boss de Soulsborne. Animé par la partition de George Bruns et illuminé par des feux tourbillonnants et des branches noires épineuses, le point culminant de La Belle au bois dormant reste l’un des plus grands de tous les temps.

3. Le baiser de l’amour véritable (Blanche-Neige)

Voici une anecdote à retenir pour les pubs : le premier « baiser du grand amour » dans un film de Disney est celui de 1938, Blanche-Neige et les sept nains. Alors qu’une poignée d’autres princesses Disney se font embrasser pour briser le sort qui les frappe, Blanche-Neige est la première, le baiser qu’elle reçoit du prince charmant mettant fin au sortilège de la méchante reine. Magnifiquement animé pour l’écran grâce à la technique du rotoscope, ce moment de Blanche-Neige a indéniablement résonné à travers les générations.

2. « And Then… I Got In » (Tron : Legacy)

Épique et inquiétante à la fois, l’ouverture de Tron : l’héritage (la suite 2010 du film original Tron de 1982) est aussi impressionnante qu’elle fait froid dans le dos. Elle n’est pas effrayante, mais évoque des mondes à l’intérieur de mondes, des réalités que l’homme peut créer tout en ignorant totalement leur existence. En outre, l’utilisation saisissante de couleurs contrastées – noir absolu et bleu pâle fluo – montre que tout ce qui est ancien peut redevenir nouveau, et que le « rétro » est un concept fluide prêt à être redéfini. Nous n’avons même pas abordé la narration habile de Jeff Bridges qui décompose économiquement l’histoire du Tron original, ni la bande-son emblématique de Daft Punk qui a effectivement inspiré la renaissance de la synthwave. Il n’y a pas d’introduction à un film Disney comme Tron : l’héritage, et c’est parce qu’il est unique.

1. Le cercle de la vie (Le Roi Lion)

Le Roi Lion est un tel chef-d’œuvre de la bibliothèque Disney que l’on pourrait dresser une liste complète des grands moments de ce seul film. Mais si l’on s’en tient à un seul, le prologue et l’épilogue du film, magnifiquement et simplement intitulé « Le cercle de la vie », ne font l’objet d’aucun débat. Cette séquence, qui donne le coup d’envoi du film sur une note saisissante – avec des chants zoulous interprétés par Lebo M – est un mélange étonnant d’animation et de documentaire animalier, le royaume des animaux d’Afrique se comportant (plus ou moins) exactement comme ils le font dans la nature. Ponctuée par le motif du soleil levant, qui projette une magnifique couche dorée sur tout ce qu’il touche, la séquence est à la hauteur du mot « majestueux ». C’est tout à fait approprié pour la naissance d’un nouveau roi.