Les 25 meilleurs films de 2023

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Les 25 meilleurs films de 2023

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Une nouvelle année s’achève et il est temps de faire le point sur les douze mois écoulés. Et quelle année incroyable pour le cinéma, de Barbenheimer à de nouvelles voix audacieuses, de chouchous indépendants à des suites spectaculaires. 2023 a vraiment tout eu.

Créer une liste des meilleurs films de 2023 était donc une tâche difficile, mais l’équipe de Total Film a courageusement relevé le défi, avec le résultat présentant le meilleur de ce que le grand écran avait à offrir cette année. Installez-vous confortablement, profitez-en, et si vous n’avez pas encore vu l’un des films ci-dessous, ajoutez-le à votre liste de visionnage !

Note : Total Film est basé au Royaume-Uni et les films ci-dessous sont donc sortis entre le 1er janvier et le 31 décembre 2023 au Royaume-Uni. Plusieurs sorties, notamment Poor Things, The Holdovers et All of Us Strangers, entre autres, ne sont donc pas incluses mais sont disponibles à regarder aux États-Unis. Notre liste a également été complétée vers la fin du mois d’octobre, c’est pourquoi certains films à venir en 2023 qui n’ont pas été projetés à temps n’ont pas pu être pris en compte.

25. Donjons et Dragons : L’honneur parmi les voleurs

Donjons et Dragons : L’Honneur parmi les voleurs nous entraîne dans une aventure fantastique et amusante à travers un monde magique. Chris Pine vole la vedette dans le rôle de l’hilarant barde Edgin, mais les autres acteurs, dont Michelle Rodriguez, Hugh Grant et Régé-Jean Page, ont tous eu leur chance de briller dans ce qui s’est avéré être une nouvelle version, hilarante, du jeu de table bien-aimé. Pour ceux qui connaissent bien l’univers tentaculaire de D&D, il y a des œufs de Pâques à profusion, mais même les néophytes trouveront leur compte dans cette adaptation pleine de vie et d’esprit. Molly Edwards

Donjons et Dragons : L’Honneur parmi les voleurs : « Le jeu de société devient un plaisir sur grand écran ».

24. Le garçon et le héron

Le garçon et le héron, premier film de Hayao Miyazaki depuis dix ans, présente tout ce que l’on peut espérer d’un film du Studio Ghibli. Des créatures magiques aux thèmes poignants, en passant par des séquences culinaires typiquement appétissantes, il capture l’émerveillement du studio d’animation. L’histoire suit Mahito, un garçon de 12 ans qui s’efforce de s’intégrer dans une nouvelle ville après la mort de sa mère. Sa vie solitaire prend une tournure fantastique lorsqu’un héron parlant apparaît et l’entraîne dans un voyage vers un nouveau monde étrange et dangereux. Nous savons maintenant que ce film ne sera probablement pas le dernier de Miyazaki, mais en tant que réflexion élégiaque sur la perte, il constitue un complément approprié à la dernière partie de l’incroyable carrière de ce cinéaste. Fay Watson

Le garçon et le héron – critique du film « Miyazaki prouve qu’il est toujours un maître du cinéma.

23. L’ascension d’Evil Dead

Après une décennie de silence, la franchise cinématographique Evil Dead a été ressuscitée de sa tombe sanglante cette année avec Evil Dead Rise de Lee Cronin. Une roadie nouvellement enceinte décide de rendre visite à sa sœur et à ses enfants dans leur immeuble en ruine de New York, mais leurs retrouvailles tournent court lorsqu’un livre maudit trouvé dans la cave commence à transformer tout le monde en démons possesseurs de chair. Alyssa Sutherland, de Vikings, incarne la terrifiante Maggot Mommy, qui contraint ses frères et sœurs et leur progéniture à une lutte primitive pour la survie, alors qu’ils sont confrontés à la nuit la plus infernale que l’on puisse imaginer. Dans la plus pure tradition d’Evil Dead, il y avait beaucoup de sang, de tripes, de gore, de tronçonneuses et, bien sûr, d’automutilation. Cela ressemble à une réunion de famille typique selon nos critères. Megan Garside

Evil Dead Rise – Critique du film : « La franchise est de retour, pleine de gloire gore ».

22. Cité des astéroïdes

Wes Anderson n’est pas étranger à l’amour, à la perte et à la dynamique familiale bancale, et Asteroid City offre les trois dans une étude métatextuelle du deuil par le biais d’une convention junior d’observation des étoiles dans le désert. Cette pièce de théâtre dans un film met en scène Jason Schwartzman et Scarlett Johansson en pleine forme dans les rôles du photojournaliste récemment veuf Augie Steinbeck et de l’actrice blasée Midge Campbell (et les acteurs qui les interprètent), ainsi que des performances exceptionnelles des jeunes observateurs d’étoiles eux-mêmes – en particulier Jake Ryan, qui joue l’aîné des enfants d’Augie. Ajoutez à cela Jeff Goldblum qui joue un extraterrestre, des cow-boys qui chantent et une superbe conception de la production, et vous obtenez le meilleur d’Anderson, à la fois fantaisiste et déchirant. Emily Garbutt

Asteroid City Critique du film : « Wes Anderson : une rencontre avec le genre excentrique ».

21. Mai Décembre

Inspiré de l’histoire vraie de Mary Kay Letourneau, une Américaine condamnée en 1997 pour le viol au second degré d’un enfant qu’elle avait ensuite épousé, le film May December, méchamment drôle et intelligent, n’est pas le film que vous pensiez probablement qu’il serait. C’est grâce à l’incroyable scénariste Samy Burch et au réalisateur Todd Haynes, qui ont su donner une tournure intelligente à cet infâme scandale de la presse à scandale. Natalie Portman et Julianne Moore ont toutes deux livré des performances sensationnelles, mais Charles Melton est devenu un espoir d’Oscar en étant le cœur battant du film, un enfant dans un corps d’homme qui a été jeté dans l’âge adulte trop tôt, ce qui a retardé son développement. Il y avait des couches et des couches à découvrir, ce qui signifie que de nombreux visionnages sont recommandés. Emily Murray

Critique du mois de mai décembre : « Le dernier opus de Todd Haynes est à la fois drôlement drôle et vraiment déstabilisant.

20. Les Gardiens de la Galaxie Vol. 3

L’autre suite du MCU de cette année (AMATW : Quantumania) a vu grand et n’a pas été à la hauteur. James Gunn a adopté l’approche inverse – pas de folie multiverselle ici – et a donné à sa trilogie (et à son mandat chez Marvel) une fin en forme de conte de fourrure. J’avais besoin de raconter l’histoire de Rocket », a déclaré le scénariste-réalisateur, qui a envoyé ses Gardiens chéris dans une mission de sauvetage des ratons laveurs qui a capturé le vrai sens de la famille mieux que n’importe quel autre film de Vin Diesel cet été. Drôle/triste, palpitant/trépidant (ces flashbacks qui font chaud au cœur), le film a été un succès auprès des spectateurs (846 millions de dollars au box-office mondial), des critiques et même de PETA, qui a décerné son prix « Not a Number » à Gunn « pour avoir montré au public que l’histoire de Rocket Raccoon n’est pas sortie de nulle part ». Matthew Leyland

Les Gardiens de la Galaxie 3 – Critique : « Une conclusion vibrante et pleine de résonances »

19. Perle

Le préquel de Ti West à son film d’exploitation-slasher X était une bête tout à fait différente. Alors que ce film se déroulait à la fin des années 70, Pearl se déroule six décennies plus tôt et est décrit par le réalisateur comme « un film de Disney dément ». C’était une merveille en technicolor avec des numéros musicaux, des yeux émerveillés et une scène où Mia Goth se masturbe avec un épouvantail. Et Goth (qui a coécrit avec West) était en grande forme, passant de l’optimisme naïf à la rage meurtrière sur le fil de la hache, faisant passer ce film de la simple histoire à une lettre d’amour démente aux rêves et aux cauchemars du grand écran. Le générique de fin est lui aussi incontournable. La clôture de la trilogie, MaXXXine, n’arrivera jamais assez tôt. Tim Coleman

Critique de Pearl : « Le préquel d’horreur de Ti West a le facteur X

18. Le Créateur

Dans un marché encombré de suites et de reboots, l’étonnant film de science-fiction de Gareth Edwards était un rare exemple d’originalité cinématographique, créant un nouveau monde entièrement réalisé et exécuté de manière vivante. Situé dans un futur proche étrangement familier où l’IA et les humains sont en guerre, le film s’intéresse surtout à la relation centrale entre Joshua, l’ancien soldat de John David Washington, et Alphie, la jeune simulatrice de Madeleine Yuna Voyles, nouvellement arrivée. Avec ses scènes intimement filmées et teintées de soleil couchant, magnifiquement filmées par Greig Fraser et Oren Soffer, le dernier film d’Edwards rappelle son grand succès de 2010, Monsters, tout en étant un hommage affectueux aux films de science-fiction du passé. L’objectif était de faire en sorte que le film ressemble au genre de films que nous avons aimés en grandissant », a déclaré Edwards. Fay Watson

L’avis du Créateur : « Un instantané stupéfiant de l’avenir

17. La beauté et l’effusion de sang

Connue pour avoir documenté les sous-cultures queer de la ville de New York avec ses photographies, l’artiste Nan Goldin est également la fondatrice du groupe de défense P.A.I.N., dont la mission est de demander des comptes à la famille Sackler pour son rôle dans l’épidémie d’opioïdes. Les Sackler sont également d’éminents soutiens financiers des arts, et P.A.I.N. organise des manifestations dans les galeries et les institutions qui honorent leurs dons. Ces manifestations ont été filmées dans le documentaire discret de la réalisatrice oscarisée Laura Poitras, ainsi que les réunions entre les membres, dont beaucoup sont des toxicomanes en voie de guérison. Mme Goldin a mis sa carrière en jeu pour se battre pour ce qui est juste, et c’était très émouvant à regarder. Emily Garbutt

16. Les huit montagnes

Une amitié de toute une vie s’est déroulée avec une grâce tranquille dans le récit émouvant de Felix van Groeningen et Charlotte Vandermeersch sur des amis d’enfance qui se retrouvent à l’âge adulte pour construire un chalet dans les Alpes. D’abord proche du Close de Lukas Dhont, cette adaptation réfléchie du roman de Paolo Cognetti s’est progressivement étendue à plusieurs décennies et continents, les perspectives contrastées du nomade Pietro (Luca Marinelli) et du montagnard solitaire Bruno (Alessandro Borghi) en venant à incarner une méditation existentielle sur le vieux dilemme des Clash : « Dois-je rester ou dois-je m’en aller ?Les paysages époustouflants sont une évidence pour ce film qui, contrairement à certains des autres films de l’année, mérite chacune des 147 minutes qu’il a nécessitées pour se dérouler. Neil Smith

15. Les femmes parlent

Le drame douloureux de Sarah Polley sur un groupe isolé de femmes religieuses qui doivent prendre une décision qui va changer leur vie était bien plus que ce que son titre simple (mais précis) suggérait. Avec une excellente distribution comprenant Rooney Mara et Claire Foy, Polley a détaillé les options d’une commune brisée par une série d’agressions violentes : ne rien faire, rester et se battre, ou partir vers l’inconnu. Le film, qui dresse un état des lieux de la nation, examine les contraintes impossibles auxquelles les femmes sont confrontées lorsqu’elles essaient de vivre leur vie. Women Talking était sincèrement sincère dans sa célébration des pouvoirs de la communauté dirigée par les femmes, quelque chose qui semble encore désespérément rare en 2023. À travers les yeux de Polley, l’avenir était plus radieux. Kayleigh Donaldson

14. Comment faire sauter un pipeline

Alors que Fight Club a donné des leçons d’anarchie à la génération X, le thriller écologique de Daniel Goldhaber a transmis le manuel à la génération Extinction Rebellion. Désireux de lutter contre le changement climatique, huit jeunes gens se réunissent pour saboter un oléoduc dans l’ouest du Texas – avec une intrigue nerveuse, qui se déroule comme un film de casse classique avec un fusible bricolé. Les chapeaux ont été tirés à Steven Soderbergh, Quentin Tarantino et Robert Bresson dans le style, mais l’urgence intrépide du film a atterri les deux pieds dans l’ici et maintenant – faisant suffisamment de bruit pour mériter 23 avertissements fédéraux et d’État, et au moins un dossier du FBI. Peu d’autres thrillers se sont jamais sentis aussi essentiels ou aussi dangereux. Paul Bradshaw

How to Blow Up a Pipeline Critique : « Un casse-tête impeccablement conçu ».

13. Mission : Impossible – Dead Reckoning Part One

Tom Cruise et le scénariste-réalisateur Christopher McQuarrie poursuivent leur série de missions impossibles avec un nouvel exemple de cinéma d’action à son meilleur. Que Cruise se démène dans la ruelle la plus étroite de Venise, qu’il saute d’une falaise en moto ou qu’il essaie d’éviter de se faire démolir par un piano (oui, vraiment), le film a poussé ses cascades à leur paroxysme. Le toujours inventif McQuarrie a également fait de la place pour un retour intelligent sur la politique de recrutement du FMI, ainsi que pour de nombreuses scènes d’espionnage (y compris un gag attendu depuis longtemps sur le Fonds monétaire international) et un méchant à l’intelligence artificielle qui fait vraiment penser à 2023. Richard Edwards

Mission : Impossible – Dead Reckoning Part One : « Quand ça marche, ça marche à fond ».

12. Babylone

Le scénariste et réalisateur de La La Land, Damien Chazelle, a polarisé la critique avec cette ode maximaliste aux excès des débuts d’Hollywood – pensez à Boogie Nights avec, si possible, un peu plus de sexe. Bien qu’il ait sans aucun doute fait un bide au box-office, le film bénéficie d’un nombre ridicule d’atouts, d’une distribution incroyablement ludique (Diego Calva, Margot Robbie, Brad Pitt, Jovan Adepo) à la cinématographie follement inventive de Linus Sandgren et à la partition jazz brûlante de Justin Hurwitz, et le tout s’emballe comme la meilleure et la pire nuit de votre vie. Stephen King l’a qualifié de « l’un de ces films dont la critique est mauvaise et qui est acclamé comme un classique dans 20 ans ». Nous sommes d’accord. Matt Glasby

Critique de Babylon : « La vision immersive de Damien Chazelle de l’âge d’or d’Hollywood ».

11. Rye Lane

Si quelqu’un me disait : « Ton premier film sera une comédie romantique », je serais déprimée », a plaisanté la réalisatrice Raine Allen-Miller avant la sortie de Rye Lane. Il est donc d’autant plus impressionnant que la cinéaste ait réalisé un premier film aussi charmant : une histoire d’amour sans complaisance qui rend hommage aux comédies romantiques du passé et qui influencera inévitablement les comédies romantiques à venir. Cette romance suit Dom, interprété par David Jonsson de Industry, un habitant du sud de Londres nerveux qui a du mal à oublier son ex. En pleurant dans des toilettes non mixtes lors du vernissage de l’exposition d’art de son ami, il rencontre Yas, de Vivian Oparah, une autre fille récemment larguée, et ils finissent par apprendre accidentellement à se connaître au cours d’une journée folle et mouvementée – et peut-être, juste peut-être, tombent-ils amoureux. Chaque image de Rye Lane déborde de couleurs et de caractère, Peckham et Brixton prennent vie, tandis que les acteurs ajoutent de l’humour et du cœur à un scénario déjà exceptionnel. Le résultat est un film réconfortant et extrêmement drôle qui célèbre la culture noire et qui s’est instantanément assuré une place au panthéon des comédies romantiques. Espérons qu’Allen-Miller ne se sente pas trop déprimé. Jack Shepherd

10. Napoléon

L’étude de Ridley Scott sur le stratège militaire se concentre non seulement sur l’ampleur grandiose de ses campagnes de guerre (que le maître de la grande logistique peut rédiger en dormant), mais aussi sur la romance qui a renforcé son élan. En rencontrant le capitaine avisé (Joaquin Phoenix, qui ne s’embarrasse pas d’un accent) alors qu’il menait le siège décisif de Toulon en 1793, Scott a mêlé les affrontements clés de la carrière de Bonaparte à la relation volatile du commandant avec son amante, devenue femme, puis impératrice, Joséphine (une autre performance intelligente de Vanessa Kirby). Aussi fascinante qu’une étude de caractère d’un homme complexe qu’une histoire viscérale des mouvements militaires et du coût humain de l’ambition, la technique multicaméra de Scott a produit d’étonnantes recréations de batailles (la bataille d’Austerlitz était particulièrement horrifiante) qui sont peut-être parmi les meilleures actions à grande échelle de sa carrière. Mais l’œuvre n’a fonctionné que si le public a cru en une performance centrale qui a résisté à la caractérisation caricaturale et aux choix faciles. Avec Phoenix (tour à tour pleurnichard, décisif, cruel, impressionnant, égoïste, conflictuel), Scott avait un leader à l’écran et hors de l’écran. Jane Crowther

Napoleon Critique du film « L’un des meilleurs films de Ridley Scott depuis près de vingt ans ».

9. Parlez-moi

Tout comme Matrix est sorti de nulle part pour voler la vedette à La Menace fantôme en 1999, ce succès australien est apparu devant des visages choqués et souriants (c’est effrayant et amusant, très amusant) avec de nouvelles tournures intelligentes sur le film de possession pour rendre L’Exorciste obsolète : Believer. Écrit et réalisé par les jumeaux Danny et Michael Philippou, dont la chaîne YouTube de comédie horrifique RackaRacka a remporté de nombreux prix, Talk to Me montre ce qui se passe lorsqu’un groupe d’amis découvre qu’il peut conjurer les esprits à l’ère des médias sociaux. Ce n’était pas agréable. C’était intense, sanglant et émouvant. Il n’est pas étonnant que le titre du film ressemble moins à une incantation qu’à un appel à l’aide », a écrit The Guardian. Jamie Graham

Talk to Me Critique : « Un retour en force sur la tradition de l’horreur

8. John Wick : Chapitre 4

Avec tant de superproductions de franchises qui se concentrent à mort et sont calibrées pour essayer de plaire à tout le monde, il était rafraîchissant de regarder un film d’action coûteux et bien conçu qui était si ouvertement loufoque mais toujours cool, marchant au rythme de son propre tambour (très bruyant). La fin probable de la saga John Wick était une épopée maximaliste, où l’extravagance et le fait de pousser les choses à leur point de rupture – de la longueur du film aux limites physiques et spirituelles de Wick, en passant par le budget alloué à l’éclairage au néon – faisaient partie de la substance du film. L’opus magnum du réalisateur Chad Stahelski est un creuset d’hommages cinématographiques et de réinvention, et Keanu Reeves a prouvé une fois de plus qu’aucune star d’action moderne n’est plus froide sous la pression. Josh Slater-Williams

Critique du chapitre 4 de John Wick : « La mort dans l’âme ».

7. Les Fabelman

Tout au long de ma carrière, j’ai raconté cette histoire par bribes », a déclaré Steven Spielberg. Après soixante ans de travail, ses mémoires cinématographiques sont arrivées sous la forme d’une histoire d’origine lumineuse, parsemée d’autoréférences et éclairée par un trait d’auteur inimitable. Explorant la rupture de ses parents, Spielberg n’a pas jugé. Au contraire, il a montré comment sa créativité est née d’un désir de « contrôler » ses peurs, mais a attribué son développement à la compréhension du fait que nous ne pouvons pas toujours contrôler les sentiments qui rendent les gens humains et les films humains. Accompagné de Michelle Williams et de Paul Dano, le résultat est un Spielberg d’une générosité sans pareille, débordant de cœur et d’art tendre. Kevin Harley

The Fabelmans Critique : « Le drame d’époque de Spielberg suscite l’émerveillement ».

6. Barbie

Peu de gens auraient pu prédire qu’un film hollywoodien sur une poupée en plastique deviendrait l’un des films les plus vivants de l’année, et pourtant nous y sommes. La bataille des sexes de la réalisatrice Greta Gerwig oppose la Barbie stéréotypée (Margot Robbie) au patriarcat après qu’une visite dans le monde réel a envoyé Ken (Ryan Gosling) dans un trou de lapin militant pour les droits de l’homme, avec ses bières et ses maisons mojo dojo casa. Robbie est peut-être née pour jouer la bombe blonde mais, ironiquement, c’est Ken qui lui a volé la vedette, avec en point d’orgue une interprétation émouvante de l’hymne désormais incontournable. Derrière le placement de produits se cache l’histoire d’horreur existentialiste de Gerwig – dans l’ennui de Barbie qui brise son coffre à jouets, une peur universelle qui ne se limite pas à un seul sexe. Par ailleurs, le film impressionne par la qualité de son casting et son sens de l’humour profondément étrange, incarné par la Barbie « bizarre » de Kate McKinnon et par Michael Cera dans le rôle d’Allan. Entre Barbenheimer et l’omniprésence des sweats à capuche « I Am Kenough », le film a suscité des conversations – et une pénurie de peinture rose – dans le monde entier. C’est le monde de Barbie, nous y vivons, c’est tout. Joel Harley

Critique de Barbie : Pour reprendre les mots de Ken, « sublime » ».

5. Vies antérieures

Celine Song, dont c’est la première réalisation, a puisé dans sa propre vie pour écrire cette romance vaguement autobiographique sur Nora (Greta Lee), une dramaturge à succès, qui renoue avec Hae Sung (Teo Yoo), l’amour d’enfance qu’elle a laissé derrière elle en Corée du Sud. Song, elle-même dramaturge, a insufflé un profond sentiment de nostalgie dans ce drame immigrant sur l’amour perdu, l’identité culturelle et le fardeau des « et si ». Past Lives a trouvé de belles vérités dans l’intimité émotionnelle qui peut exister entre deux personnes. L’alchimie alléchante entre Nora et Hae Sung était électrisante, mais il y avait aussi une passion tranquille dans le mariage de Nora avec Arthur (John Magaro). Un moment poignant du trio dans un bar s’inspire d’un événement survenu à Song, son mari, et à un ami d’enfance. J’ai senti que quelque chose de spécial nous traversait tous les trois », se souvient-elle. Mais le fait de transformer cette expérience en film en a fait « sa propre histoire ». Et quelle histoire ! Comme les meilleures histoires d’amour, Past Lives est difficile à oublier et laisse une empreinte bien ancrée dans le cœur. Ann Lee

Past Lives Critique : « Une merveille au jugement exquis

4. Tár

Si vous ne prenez pas le risque d’être terrifié, vous devriez probablement confier le travail à quelqu’un d’autre », a déclaré Cate Blanchett à propos de son interprétation de la compositrice et chef d’orchestre Lydia Tár dans le chef-d’œuvre austère de Todd Field. De toute évidence, le risque valait la peine d’être pris ; l’interprétation de Tár par Cate Blanchett a été si convaincante que la question la plus fréquemment posée sur Google à propos du film reste la suivante : « Lydia Tár a-t-elle été inspirée par le personnage de Tár ? Lydia Tár était-elle basée sur une personne réelle ? Tár n’est peut-être pas réelle, mais Field, qui n’avait pas fait de film depuis Little Children en 2006, a fait des recherches méticuleuses dans le monde de la musique classique après avoir trouvé un foyer pour un personnage dont il rêvait depuis une décennie. La culture de l’annulation est présente, notamment dans une scène de bravoure en une seule prise où Tár enseigne sans pitié à ses élèves flocons de neige, mais ses véritables transgressions sont séculaires : la luxure, l’avidité, l’envie et l’orgueil. L’ambiguïté est peut-être la clé de son succès. L’acte final était-il un cauchemar de râles d’agonie ? S’agissait-il d’un fantôme ou d’un symptôme de misophonie ? Et le destin de Tár était-il l’humiliation ultime ou un nouveau départ libérateur ? Tár a marché à son propre rythme et reste inoubliable pour cela. Jordan Farley

Critique de TÁR : « Une performance exceptionnelle de Cate Blanchett ».

3. Les tueurs de la lune fleurie

Je ne sais pas combien d’autres je pourrai faire – peut-être que c’est le dernier. C’est peut-être le dernier », s’est demandé Martin Scorsese lors de la promotion de The Irishman en 2019. Heureusement, tenté par le best-seller de David Grann sur les meurtres d’Osage dans les années 1920 et laissé libre cours par Apple en matière de budget et de durée, Scorsese a cédé. C’est tout bénéfice pour nous. Killers porte toutes les marques du réalisateur, mais avec une clarté et une profondeur nouvelles. Pendant 206 minutes, Scorsese a déroulé une étude moralement épineuse de l’avidité et de la manipulation, ponctuée de violence tout en traçant patiemment la lente corrosion de l’âme de l’Amérique. Pour la première fois, Scorsese a associé ses deux muses à l’écran : De Niro, en raciste se cachant derrière une bienveillance avunculaire, et DiCaprio, cédant son statut de chien dominant pour jouer les faibles et les crédules. En attendant, même pour un réalisateur fasciné depuis longtemps par les rythmes et les rituels culturels, l’étude réfléchie de Scorsese sur la vie des Osages était remarquable, grâce à la formidable performance de Lily Gladstone et à la partition de « blues indigène » du regretté Robbie Robertson. Sera-ce le dernier film de Scorsese ? S’il continue à déjouer les pronostics et à réaliser des chefs-d’œuvre à plus de 80 ans, n’y comptez pas trop. Simon Kinnear

Killers of the Flower Moon – Critique du film « L’épopée de Scorsese à plusieurs niveaux vaut chaque seconde.

2. Spider-Man : A travers le Spider-Verse

Lors de l’étonnante scène de combat dans Across the Spider-Verse, Miles Morales (Shameik Moore) repousse Miguel O’Hara (Oscar Isaac) en lui disant : « Tout le monde n’arrête pas de me dire comment mon histoire est censée se dérouler. Non. Je vais faire mon propre truc ». Ce moment illustre bien l’esprit féroce de cette incroyable suite, qui repousse une fois de plus les limites de l’animation de manière étonnante, en débordant d’imagination, de couleurs et de vivacité. Cependant, malgré tout ce spectacle éclatant, le style ne l’emporte pas sur la substance, car l’histoire émotionnelle est elle aussi percutante. Non seulement Miles doit affronter le coriace Miguel, mais il doit aussi faire face à La Tache, un méchant fascinant qui passe du statut de blague risible à celui de némésis terrifiante grâce à l’interprétation parfaite de Jason Schwartzman. Parallèlement, Gwen Stacy (Hailee Steinfeld) et la famille Morales sont également mises en avant, devenant le cœur battant du film aux côtés de notre héros Miles. Un rebondissement époustouflant dans le dernier acte nous a complètement coupé l’herbe sous le pied de façon spectaculaire et haletante, nous laissant désespérés pour une troisième suite qui a maintenant une barre encore plus haute à franchir. La partie est gagnée, Spider-Man. Emily Murray

Spider-Man : Across the Spider-Verse – Critique de Spider-Man : Across the Spider-Verse : « Il y a assez d’esprit, d’imagination et de sensations fortes pour remplir plusieurs mondes.

1. Oppenheimer

Un biopic historique au rythme haletant d’un thriller. Une durée de trois heures qui passe à toute allure. La meilleure distribution d’ensemble depuis des années pour soutenir une performance centrale imposante qui a dominé le film. Une superproduction estivale tournée en partie en noir et blanc et abordant le thème de l’anéantissement nucléaire. Oppenheimer était aussi plein de contradictions que l’homme lui-même. Dilettante, coureur de jupons, soupçonné d’être communiste, instable, théâtral, romantique », comme le dit Leslie Groves, interprété par Matt Damon, le physicien de génie qui allait déclencher le proverbial feu des dieux en créant la première arme atomique au monde était un protagoniste aussi complexe que celui que le scénariste et réalisateur Christopher Nolan a jamais eu à traiter.

S’appuyant sur la biographie définitive de Kai Bird et Martin J. Sherwin, American Prometheus : The Triumph and Tragedy of J. Robert Oppenheimer, le film retrace avec autorité la vie d’Oppenheimer sur deux périodes parallèles (baptisées « Fission » et « Fusion »), en couleur et en noir et blanc. Nous avons suivi Oppenheimer, de l’étudiant nerveux à l’architecte du projet Manhattan, en passant par le test fatidique de Trinity. Nous avons également assisté à l’examen minutieux des loyautés d’Oppenheimer lors d’une audition de sécurité, qui visait à déterminer s’il était compromis par des penchants communistes. Cillian Murphy, qui a interprété ce génie brillant mais tourmenté au fil des décennies, a livré la performance de sa carrière. La star des Peaky Blinders s’est fondue dans le rôle avec une étonnante translucidité, semblable à celle de Daniel Day-Lewis. Les acteurs secondaires, dont le visage est à peine méconnaissable, ont tous apporté leur pierre à l’édifice, en particulier Emily Blunt, Robert Downey Jr. et Matt Damon.

Il y avait le sentiment palpable que chaque département fonctionnait à plein régime, par respect pour l’intensité du sujet et la vision de l’auteur à la barre. La partition de Ludwig Göransson était immaculée, la photographie de Hoyte van Hoytema, palpitante et immersive, et le montage de Jennifer Lame, tranchant comme un scalpel. Les films de ce type ne sont plus très fréquents. Des effets spéciaux impressionnants, des images à l’échelle IMAX, une caractérisation riche et complexe à grande échelle. Cela faisait longtemps que le « cinéma pour adultes » n’avait pas produit quelque chose d’aussi épique. Mais, comme l’ont montré les recettes mondiales de près d’un milliard de dollars, le public était prêt. Capital C Cinema. Matt Maytum

Critique d’Oppenheimer : « Christopher Nolan fait feu de tout bois ».

Voilà donc les meilleurs films de 2023 selon Total Film. Pour savoir ce que l’année prochaine nous réserve, consultez notre guide des films à venir les plus excitants.

Pour en savoir plus sur la revue de l’année 2023 de Total Film, consultez le dernier numéro.