Les 25 meilleures bandes originales de jeux vidéo de tous les temps

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Les 25 meilleures bandes originales de jeux vidéo de tous les temps

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Les meilleures bandes sonores de jeux vidéo peuvent définir des expériences entières. Sans musique, les jeux ne seraient pas les mêmes. Des puces sonores primitives mais expressives des consoles rétro à l’instrumentation complète dont disposent les musiciens d’aujourd’hui, les jeux vidéo ont produit des musiques originales qui défient toute classification.

La musique est un outil formidable pour planter un décor, exprimer des émotions et raconter une histoire. Et, comme vous le constaterez en lisant notre classement des meilleures bandes originales de jeux vidéo, il arrive parfois qu’elles vous fassent taper du pied. Nous ne saurions sous-estimer l’importance de la musique dans la façon dont nous voyons et apprécions les jeux auxquels nous aimons jouer et, bien que la liste n’ait pas été facile à établir, vous trouverez ci-dessous ce que nous pensons être les 25 meilleures bandes-son de jeux vidéo de tous les temps.

25. Pokemon Or / Argent

Il y a de fortes chances que si vous êtes un fan de Pokemon depuis un certain temps, sa bande sonore ait signifié plusieurs choses différentes tout au long de votre vie : L’attente de la mélodie de la Gameboy, l’émerveillement d’entendre de vrais bruits de pokémon, la nostalgie d’entendre de vieux jeux et la crainte de vieillir. Cela témoigne à la fois du jeu lui-même et de vous. Qu’il s’agisse de l’histoire effrayante de Lavender Town (à l’origine dans Blue/Red mais toujours dans Gold/Silver) ou de l’optimisme nostalgique imprégné à chaque seconde de National Park, Pokemon a offert et offrira toujours une merveilleuse évasion qui s’éloigne à chaque seconde.

24. The Last of Us

Le compositeur argentin Gustavo Santaolalla est bien connu pour ses compositions cinématographiques et The Last of Us (et sa suite The Last of Us 2) en profite pleinement. Là où des morceaux comme « The Path » offrent une chanson de voyage mélancolique, « Vanishing Grace » annonce la très courte durée que The Last of Us peut lui permettre. En ce sens, « The Last of Us » offre cette dichotomie entre la noirceur de sa mélodie et la luminosité de son accompagnement d’une manière intéressante qui fait directement écho à l’histoire elle-même. Ensemble, les accords brisés et les mélodies dissonantes semblent forts et presque pleins d’espoir, mais seuls, ils semblent être ce qu’ils sont, brisés.

23. Tout le monde est parti au ravissement

Everybody’s Gone to the Rapture est un jeu puissant qui exprime et chante des émotions et des sentiments difficiles à expliquer. Il s’inscrit de manière si significative dans les thèmes et les histoires du jeu que les retirer devrait leur ôter une partie de leur pouvoir. Mais ce n’est pas le cas. La chanson d’ouverture « All the Earth » vous frappe dès la deuxième note avec un hurlement perçant d’émotions, accompagné par le grondement sourd d’un bourdon et de cordes qui taquinent la mélodie en son centre. Cette mélodie est suivie et repliée autour d’elle avec de merveilleuses contre-mélodies et des voix supplémentaires dans « Finding the Pattern », avant d’être dépouillée et reconstruite à nouveau. À l’instar de la bande originale, le jeu lui-même suit cette idée d’aller à la racine de quelque chose pour ensuite s’effondrer sous vos doigts. « Je ne sais pas si quelqu’un entendra jamais cela. Tout est fini. Il ne reste plus que moi ».

22. Katamari Damacy

C’est peut-être un peu cliché, mais il arrive qu’un prince doive aspirer le monde, l’univers et tout ce qui est plus grand pour impressionner son père, le roi de tous les cosmos. Katamari Damacy parvient à raconter cette histoire à travers l’heure de musique qu’il contient. « Katamari Nah-Nah » commence par une acapella merveilleusement bizarre qui vous aide probablement à vous préparer au jeu qui vous attend, jusqu’à ce que « Katamari on the rocks » pulvérise tout cela avec une version plus étoffée de cette même chanson, avec batterie électronique et synthétiseur. Le rythme n’est pas toujours aussi soutenu, des chansons comme « Walking on a Star » offrant une pause étrangement jolie dans le monde trépidant de Katamari Damacy. À l’instar d’une étoile et du cosmos, l’idéalisme de son existence suffit à ancrer tous ceux qui la regardent. Vous existez et rien ne l’exprime mieux que les esprits humains derrière Katamari Damacy.

21. NieR : Automata

Il y a quelque chose de souvent très subtil dans la façon dont le compositeur principal Keiichi Okabe a composé la bande originale de Nier Automata. Elle est remplie de petits morceaux, mais incroyablement jolis, qui pourraient être ignorés lors des trois premiers passages. Heureusement, Automata est fait pour être joué encore et encore. De la guitare et de l’accompagnement vocal doux mais hymnique de « City Ruins » à l’exubérant « Grandma/ Destruction », la volonté d’Automata de changer en un clin d’œil est quelque chose qui fonctionne très bien pour sa présentation générale. Malgré cela, le jeu reste toujours aussi beau grâce à ses performances vocales et à son piano mélancolique. C’est tout à fait approprié pour un jeu aussi chargé en émotions.

20. Megaman 2

Le fait que 25 minutes de musique aient réussi à rester aussi accrocheuses jusqu’à aujourd’hui témoigne de la qualité de la bande-son de Megaman 2. Dès le thème principal, il vous prépare à l’aventure qui vous attend avec un tempo rapide et des triolets agaçants. Il est suivi d’un mal sinistre au centre de l’écran de sélection, qui vous prépare aux 8 boss tout aussi difficiles qui vous attendent. Heureusement, après votre 50ème tentative dans la forteresse de Wily, la musique reste toujours aussi entraînante et mémorable. Un accompagnement bien nécessaire.

19. DOOM

Tuez des trucs. C’est la commande centrale que Doom répète encore et encore. Si les quelques jeux originaux sont tout à fait emblématiques, c’est la bande originale de Mick Gordon qui accompagne DOOM qui exprime le mieux cet état d’esprit. Se situant quelque part entre le djent industriel, le power et le prog metal, le morceau d’ouverture « Rip & Tear » correspond parfaitement à ce créneau de headbanging et d’assassinat de démons. Il associe les idées de guitare djent à l’industriel et au drone et les complète par des riffs meurtriers pour un ensemble cathartique total. Il n’oublie pas ses racines en rappelant le classique « At Dooms Gate » avec sa propre reprise, beaucoup plus dure. Cela résume incroyablement bien l’expérience de DOOM. Il ne s’agit pas seulement d’un reboot, mais d’une réimpression fidèle et totale, et cela joue incroyablement bien en sa faveur.

18. Minecraft

Il est difficile d’évaluer l’impact de l’explosion de popularité de Minecraft sur le paysage des jeux vidéo, mais aujourd’hui, 11 ans après sa sortie, la musique de C418 est toujours entendue partout, des jeux vidéo aux Tik Toks. La raison en est évidente. Des morceaux comme « Subwoofer Lullaby » et « Minecraft », qui porte son nom, sont des chansons lumineuses mais plutôt solitaires. Chaque épisode de Minecraft met en avant les aspects multijoueurs sur lesquels il a été construit et c’est, fondamentalement, la raison pour laquelle nous nous en souvenons si affectueusement. C’est simple, amusant et cela nous rappelle des amis en ligne depuis longtemps disparus de nos profils.

17. Street Fight 2 Turbo

Street Fighter 2 Turbo a fait une impression durable dans les années 90 grâce à son large éventail de personnages et à ses commandes de combat étonnamment précises. La musique n’a fait que renforcer cette impression grâce à des mélodies faciles à fredonner et pourtant très variées. Dès le thème de la sélection des personnages, vous savez que vous vous apprêtez à vivre un combat d’enfer. Il faut aimer le temps que met votre adversaire à choisir le bon contre pour que vous puissiez spammer des quarts de cercle vers l’avant pendant tout le combat. Combattez !

16. Sonic The Hedgehog 2

Cohérence. Alors que Sonic n’a jamais été capable de faire preuve de cohérence, Sonic 2 y parvient absolument. Chaque thème et chaque chanson s’intègrent parfaitement à leur niveau. La « Casino Night Zone » capture son niveau à merveille et la « Chemical Plant Zone » est tellement entraînante que vous ne pourrez pas fredonner autre chose après l’avoir entendue. D’une manière plus générale, la personnalité et la musique de Sonic résument leur époque de manière merveilleusement nostalgique. Cela a toujours été l’une des plus grandes forces de Sonic et la raison pour laquelle on se souvient de lui avec autant d’affection. C’est maintenant « bien trop cool », mais c’est pour cela que c’est si agréable.

15. Super Mario 64

Super Mario 64 est la deuxième exclusivité N64 à figurer sur cette liste, et c’est bien mérité. Qu’il s’agisse d’entendre le thème en tirant le visage de Mario à travers l’écran ou de le laisser geler pour profiter de « Cool, Cool Mountain », la musique de Super Mario 64 est assurément contagieuse. Comme dans OOT avant lui, la musique est un élément crucial de l’expérience de Mario. Chaque morceau a une conception délibérée qui complète le niveau de manière significative grâce à des choses comme les bruits sinistres de « Haunted House » ou le claquement du piano lorsqu’il vous poursuit. Le monde de Super Mario est intrinsèquement musical et Mario 64 le démontre avec bonheur.

14. Halo 3

La bande-son de Halo 3 a quelque chose de vraiment génial. Parfois, c’est quelque chose d’aussi subtil qu’une flûte et quelques cordes, parfois c’est un orchestre complet et un chœur. Passer de l’inquiétant pressentiment de « Luck » au son archaïque et terreux de « Three Gates » annonce ce qu’Halo 3 offre au joueur. Une épopée magique qui définit la galaxie. Et c’est sans parler de son thème musical, une combinaison parfaite de tout ce qui précède. Des voix angéliques se balancent d’avant en arrière tandis que la section des cordes s’échauffe et s’enroule autour de la mélodie centrale. Puis la batterie entre en jeu. Il s’agit d’une bataille entre l’angélique et l’archaïque, l’obscurité et la lumière. C’est Halo.

13. La légende de Zelda : Ocarina of Time

Ocarina Of Time a réussi à faire une impression durable à partir de quelque chose d’aussi simple que son thème principal. Il passe simplement d’un fa à un do avec le doux cliquetis des sabots d’Epona en guise de percussion douce et réussit à captiver des millions de personnes. La musique ne fait que s’améliorer à partir de là. Du jingle qui joue lorsque vous ouvrez des coffres à la composition à l’œuvre dans le temple du temps, It a réussi à rester d’actualité plus de vingt ans après sa sortie. Cela ne va pas sans quelques désagréments. Entendre le « thème de Kepora Gebora » en appuyant sur un bouton ou « Hey Listen » pour la millième fois est agaçant, mais cela rend Ocarina Of Time d’autant plus attachant.

12. Dark Souls

Il suffit de parcourir la page Wikipédia de Motoi Sakuraba pour se rendre compte du large éventail de styles musicaux dans lesquels il s’est illustré. De son album de prog électronique Gikyokuonsou, peu connu, à son travail dans Eternal Sonata, il est clair qu’il s’agit d’un compositeur aux connaissances approfondies dans le domaine. Rien ne l’illustre mieux que la bande originale de Dark Souls. Elle regorge de musiques de combats de boss épiques comme « Taurus Demon » et « Ornstein & Smough », mais elle offre aussi de magnifiques moments de clarté comme « Gwyn, Lord of Cinder » et « Nameless Song ». Ces morceaux ont été créés avec intelligence et en tenant compte des thèmes du jeu qui fonctionnent si bien qu’ils vous laissent un sentiment d’impuissance.

11. Animal Crossing : Nouveaux Horizons

Animal Crossing : New Horizons offre quelque chose de très important : La joie. Cette joie ne fait que s’accentuer lorsque vous vous délectez de la bande-son. Alors que » Welcome Horizons » vous accueille dans le menu de démarrage et que vous observez vos villageois vaquer à leurs occupations, il est facile de se laisser emporter par la monotonie de chaque jour en se relaxant et en appréciant la douce trompette. Chaque heure a sa propre interprétation, les premières heures correspondant à une ville apaisante et paresseuse, tandis que les soirées sont accompagnées d’une guitare acoustique et d’un accordéon pour vous promener. Ce n’est peut-être pas la bande-son la plus variée, mais c’est certainement la plus invitante.

10. Final Fantasy 7

Bien qu’il s’agisse peut-être d’un choix assez évident dans la série, Final Fantasy 7 possède une bande-son si forte et émotionnellement sincère qu’il est difficile de ne pas l’aimer. Non seulement cela, mais elle comprend si bien l’intention du jeu. La nature ardente mais joviale de Barret est retranscrite dans le « Barret’s theme », tandis que les émotions tristes et introspectives d’Aerith sont illustrées par le « Aerith’s Theme » d’une manière difficile à exprimer avec des mots. Au fur et à mesure que vous avancez dans votre exploration et que vous voyez le monde plus vaste, écrasant mais finalement optimiste qui vous entoure, le thème principal de Final Fantasy 7 ne se contente pas de vous accompagner, il vous engloutit et refuse de vous laisser partir, même 100 heures plus tard.

9. Voyage

L’ensemble de la partie « voyage » de la plus grande réussite de thatgamecompany est ressentie dans de nombreuses sphères. De l’histoire aux visuels en passant par la musique, il y a plusieurs chemins distincts à emprunter. « Nascence », le morceau d’ouverture, est sombre et inquiétant, avec de subtils moments de clarté. Elle est suivie de cordes luxuriantes qui vous mettent l’eau à la bouche et qui disparaissent au fur et à mesure que vous avancez dans l’aventure. L’ensemble de la bande-son suit ce motif d’instruments uniques accompagnés par des centaines d’autres, imitant ainsi l’excellente conception multijoueur qui est au cœur du jeu. Elle propage en quelque sorte un paradoxe où l’on se sent seul, mais jamais loin d’une compagnie. Comme votre personnage et la musique, il y a toujours un accompagnateur pour votre voyage.

8. Transistor

Le compositeur Darren Korb a réussi à injecter un peu de lui-même dans chaque jeu SuperGiant. Du trip-hop acoustique de Bastion au mélange éclectique de Pyre, il a démontré sa capacité à s’adapter à de nombreux styles. C’est peut-être dans Transistor qu’il a le mieux réussi. Se décrivant lui-même comme du « Old-world Electronic Post-rock », son étrange mélange de post-rock à la « This will destroy you » et d’échantillonnage électronique lourd donne une bande-son unique en son genre, qui accompagne parfaitement l’un des meilleurs jeux indépendants de ces dix dernières années.

7. Bioshock Infinite

Il est difficile de sous-estimer l’importance de la bande-son de Bioshock Infinite dans l’expérience globale. Dans le rôle de Booker, vous vous asseyez en anticipant quelque chose de terrible lorsque le trille rageur du violon vous envahit. Vous applaudissez, mais vous êtes interrompu par le scintillement du piano. « Hallelujah ». Chaque moment, chaque son semble si fondamentalement pensé, de « Will the circle be unbroken » qui réitère la narration à la grande révélation de « CAGE ». La musique est aussi fondamentale à l’expérience de base que l’histoire.

6. Kingdom Hearts

Si vous avez entre 20 et 35 ans, il y a de fortes chances que vous ayez, à un moment de votre vie, écouté « Dearly Beloved » de Yoko Shimomura, accompagné de la douce lueur de votre télévision allumée. Cette chanson, comme l’ensemble de la bande originale de Kingdom Hearts, est une expérience formatrice qui vous rend probablement profondément triste à l’évocation de ce souvenir. À l’instar du jeu lui-même, l’œuvre de Shimomura est magique et évoque la nostalgie comme aucun autre jeu ne l’a fait. Heureusement, Kingdom Hearts vous offre une centaine d’heures pour en profiter.

5. Prémonition mortelle

La bande-son de Deadly Premonition, à l’image du jeu lui-même, est étrange, dérangeante et parfois complètement fausse. Malgré tous ces défauts, elle est incroyablement charmante et rend l’expérience de jeu globale bien meilleure – ce qui est toujours le signe d’une bonne bande-son. En passant du jazz paresseux du dimanche après-midi de « Life is Beautiful » à l’inspiration presque médiévale de « The Woods and the Goddess », on saisit vraiment la nature captivante au cœur de Deadly Premonition. Écoutez-le et laissez-vous envoûter.

4. Fallout New Vegas

Chaque jeu Fallout a son propre charme en ce qui concerne sa bande-son. L’ambiance du tout premier jeu, le thème principal du quatrième titre, digne d’un film, et enfin le country/blues de New Vegas. Cette radio country de fin de soirée renforce le sentiment de solitude que ressent le coursier. Ce sentiment est renforcé par les comparaisons avec les cow-boys et les vagabonds solitaires, pour ainsi dire, grâce à des morceaux comme « Big Iron » et le double sens sinistre de « Ain’t that a kick in the head ». Fallout est bien connu pour son humour noir grinçant qui oppose un swing ouvertement joyeux et de vieilles chansons country à l’assassinat de bandits et à l’explosion de super mutants. Peu importe la manière dont vous vous y prenez, mais c’est bien plus cool avec un gros fer à repasser sur la hanche.

3. Persona 5

Le style. En un mot, c’est exactement ce que Persona 5 et sa bande-son parviennent à faire. N’importe quel jeu Persona ou bande originale de Shoji Meguro, d’ailleurs, pourrait figurer dans cette liste, mais nous avons opté pour Persona 5. De son morceau d’ouverture « Wake Up, Get Up, Get Out There » à son morceau plus introspectif « beneath the mask », Persona 5 est tout simplement brillant, suave et autonome. Non seulement c’est le cas, mais le cycle jour/nuit du jeu laisse la place à différents styles et genres, et Shoji en profite pleinement. Si vous cherchez une bande originale pour rendre votre vie un peu plus cool, ne cherchez pas plus loin.

2. Undertale

Undertale a permis à Toby Fox de devenir un auteur et un compositeur de jeux de classe mondiale en une seule fois. Cette concentration sur un créateur central a permis de donner à Undertale une vision et une compréhension concrètes. La musique d’Undertale n’est pas seulement un ajout accrocheur, elle est Undertale. L’éclat nostalgique de « Fallen Down » pourrait s’intégrer à n’importe quelle bande-son classique de Nintendo et tenir sa place en tant que « Bop » simpliste mais déchirant. Cette simplicité est complètement remise en question avec l’emblématique « Megalovania », une chanson qui commence simplement, mais qui est imprégnée de sensibilité prog et synth-rock alors qu’elle s’accélère avec un riff de basse croustillant et une batterie lourde. Cette disparité entre les chansons est un point fort d’Undertale. Elles sont à la fois très différentes et cohérentes avec l’ambiance générale du jeu. C’est exactement ce que doit faire une bonne bande-son.

1. Silent Hill 2

N’importe quelle bande originale d’Akira Yamaoka pourrait prendre cette place, mais nous avons choisi Silent Hill 2 pour son rôle emblématique dans l’histoire du jeu. Avec des influences de rock classique, d’alt et de trip-hop industriel ambiant, la bande-son de Silent Hill 2 offre une grande profondeur, tant au niveau de la musique que des thèmes abordés. L’existentialisme tendu du « Theme of Laura » vous frappe de plein fouet alors que quelques accords ouverts se transforment en une symphonie de J rock. L’inquiétude emblématique de « Promise(reprise) » s’associe à des violons synthétiques gonflés pour imprégner la bande-son d’un sentiment inné de tristesse, ce dont Silent Hill 2 est tout à fait conscient. C’est ce qui rend la bande-son si fantastique. Elle n’est pas créée dans le vide. Elle sait quand jouer la carte du calme et quand exploser en un mur de sons, ce qui la conforte dans son statut d’expérience la plus effrayante, même aujourd’hui. Tout comme le jeu lui-même, la bande-son de Silent Hill 2 mérite tous les éloges que l’on peut lui faire.

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