Guillermo del Toro parle de Pinocchio : « Animer, c’est donner une âme ».

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Pinocchio a déjà été adapté, mais jamais de la sorte. Guillermo del Toro et son coréalisateur Mark Gustafson ont créé un monde en bois merveilleusement réalisé dans lequel leur marionnette peut s’amuser, à mille lieues de la récente tentative d’adaptation de Pinocchio par Disney.

Les dix premières minutes de la création de del Toro soulignent à quel point le fossé est grand entre ces deux versions de l’histoire de Carlo Collodi. Geppetto (interprété par David Bradley) semble vivre heureux avec son vrai fils lorsqu’une catastrophe survient : une bombe tombe d’un avion et tue le fils de Geppetto. Le maître des bois se met à boire et sombre dans l’alcoolisme. C’est un film percutant.

Il n’est donc pas étonnant que del Toto prévienne Total Film que sa version de Pinocchio « n’est pas faite pour les enfants ». Lors de notre conversation avec le cinéaste et Gustafson (qui fait ses débuts en tant que réalisateur après avoir travaillé comme animateur pendant de nombreuses années), les deux hommes ont évoqué les raisons pour lesquelles deux grands films sur Pinocchio ont été réalisés la même année, le lien entre Pinocchio et Frankenstein, et l’étonnant processus d’animation qui a conduit à la réalisation du film. Voici nos questions et réponses, éditées pour plus de clarté et de longueur.

Total Film : J’ai été frappée par la différence entre cette version de Pinocchio et la précédente : il est dépeint comme désobéissant plutôt qu’obéissant, et sa création est présentée comme le monstre de Frankenstein. Qu’est-ce qui a motivé ces décisions ?

Del Tor : Très tôt, dans mon enfance, ces deux mythes se complétaient, Frankenstein et Pinocchio. Mais quand nous avons commencé ce voyage, nous nous sommes dit : « Que pouvons-nous changer, en termes d’histoire, et que n’avons-nous pas déjà vu ? Les personnages qui changent sont ceux qui enseignent normalement à Pinocchio dans la fable. Le criquet change beaucoup au cours du film, Geppetto se transforme complètement. Quant à Pinocchio, il continue à désobéir jusqu’à la fin. Il apprend que le seul mensonge dangereux est qu’il ne doit jamais se mentir à lui-même, qu’il reste fidèle à lui-même. Ces idées fusionnent donc. Nous sommes retournés voir [l’auteur Carlo] Collodi [qui a créé Pinocchio à l’origine] pour certains gestes qui n’ont jamais été mis dans un film sur Pinocchio – comme le fait que Pinnochio meurt plusieurs fois et que le criquet est constamment écrasé ; comme le fait que Pinocchio, au début, est vraiment indiscipliné et n’est pas un animal domestiqué, agréable, calme, angélique. C’est un élémentaire presque sauvage.

Cela semble délicat d’avoir un personnage principal qui ne passe pas par l’arc, mais les autres personnages autour de lui passent par des arcs. Cela a-t-il été difficile à équilibrer ?

Del Toro : Lors de l’écriture de la pièce, nous voulions vraiment que Pinocchio apprenne quelque chose d’émouvant. Lorsqu’il demande qui était Carl, on lui répond qu’il s’agit d’un enfant qu’il a perdu. On lui demande si c’est un enfant qu’il a perdu. Comment a-t-il pu perdre un enfant entier ? Il n’y a rien, il est mort ? Est-ce une mauvaise chose ? Et il apprend ce qu’est la mort. Et il apprend ce qu’est la vie, et à quel point la vie humaine est sacrée et brève. Et le voyage est incroyablement émouvant à cause de cela. Il n’apprend pas à se comporter, il n’apprend pas la morale. Il apprend l’éthique et la spiritualité, ce qui est beaucoup plus profond.

Mark Gustafson : C’est vrai. Nous jouons en quelque sorte avec les attentes du public, vous savez, vous entrez dans le film et vous pensez vraiment que ce personnage apprend à être un bon garçon. Et quand vous inversez cela, cela devient quelque chose de très différent que le monde apprend de lui en fin de compte. Et c’est une histoire très différente.

L’histoire fait partie de l’air du temps culturel, et un autre film sur Pinocchio est sorti cette année. Qu’est-ce qui fait que cette histoire est si pertinente aujourd’hui, qu’il y a deux versions en même temps ?

Del Toro : Tout d’abord, il y a plus de 60 Pinocchios sur le film, d’après une estimation informelle. Il est peut-être l’un des 12 personnages de l’histoire de la littérature que les gens connaissent même s’ils n’ont pas lu le livre. Frankenstein, Pinocchio, Dracula, Sherlock Holmes, Tarzan, le comte de Monte-Cristo. Les gens pensent connaître l’histoire, mais en réalité ils ne la connaissent pas. Cela vous permet donc de l’utiliser comme métaphore de l’évolution de la science, ou d’expliquer pourquoi vous pouvez placer Pinnochio dans le futur, en faire un robot, le placer dans le passé, en faire un personnage politique qui ment, ou un membre de la famille. Il est incroyablement malléable. Pour Pinocchio, pour l’instant, je pense que c’est parce que nous vivons à une époque où l’emprise des vérités et des mensonges est incroyablement ténue, et parce que nous vivons à une époque où nous voyons l’obéissance s’infiltrer dans pratiquement tous les domaines de notre vie publique et privée. L’idéologie prend la place des idées dans tous les domaines. Nous faisons de « l’autre » une figure maligne. Ce Pinocchio n’arrive pas dans la ville et tout le monde l’aime. Ce Pinocchio débarque dans la ville et tout le monde a peur de lui. Ils se disent : « Comment allons-nous le contrôler ? C’est un personnage indiscipliné !

Gustafson : C’est une histoire de création. Pour nous, artistes, qu’y a-t-il de plus important qu’une histoire de création ? Et c’est une histoire sur la façon dont le monde perçoit votre création. Lorsque vous créez quelque chose, vous avez beau réfléchir à ce que vous faites, il y aura des ramifications différentes – il y aura des gens qui l’interpréteront différemment, et votre création pourrait se répandre et causer des ennuis. Vos idées vont causer des problèmes.

Del Toro : Ce qui est bien !

Gustafson : Ce qui est fantastique. Et c’est ce que nous disons. Au début, cela peut être choquant. Et vous vous dites : « Oh, il faut que je m’adapte à ça ». Mais pourquoi voudriez-vous mettre au monde quelque chose qui n’interpelle pas du tout les gens ? Vous voulez que les gens se disent : « Je ne l’avais pas vu venir !

Même au début de ce film, nous n’avons pas vu d’histoire de Pinocchio où nous voyons le vrai fils de Geppetto mourir après avoir appris à le connaître. C’est déchirant.

Gustafson : Nous voulions que Pinocchio soit réel. Nous voulions que vous vous intéressiez à lui. Et l’un des moyens d’y parvenir est de comprendre le chagrin qui l’a fait naître. Et Geppetto est un personnage beaucoup plus important dans notre film que dans les autres versions,

Del Toro : C’est un personnage qui a beaucoup d’aspérités et d’arêtes. Geppetto est de mauvaise humeur, il boit, et c’est un personnage qui ne se laisse pas faire. Il aime l’obéissance. C’est un personnage très domestiqué au début du film, et il apprend à accepter la sauvagerie de Pinocchio. La première idée était de faire naître Pinocchio du chagrin. Pour moi, Frankenstein et Pinocchio sont très proches. La plus grande différence est que Victor donne naissance à la créature par arrogance. Pinocchio, lui, naît du chagrin. C’était l’une des graines. Sans mauvais jeu de mots.

Guillermo, vous avez dit que c’est l’une des histoires les plus personnelles que vous ayez portées à l’écran, car elle traite des pères et des fils. Pouvez-vous nous en dire plus ?

Del Toro : C’est l’un d’entre eux. Pour moi, il est du même ordre que L’épine dorsale du diable et Le labyrinthe de Pan, mais aussi La forme de l’eau et L’allée des cauchemars. Ce que les gens considèrent comme une filmographie, vous le voyez comme une biographie. Une fois que tout le monde est impliqué, le grand avantage d’un film comme celui-ci est qu’il devient le film personnel de chacun. Celui de Mark, des animateurs. C’est une entreprise tout à fait unique. Je peux vous dire que c’est le seul film que j’ai réalisé dans lequel les gens ont commencé en tant qu’amis et ont fini en tant que membres de la famille. Tout le monde s’est engagé à 100 %, à 100 % du temps, et les gens ont fini par aimer le film autant que Mark, moi ou n’importe qui d’autre.

Gustafson : Et nous avons tourné pendant environ 1000 jours. Vous pouvez donc imaginer la pression que cela représente. Il faut donc travailler avec des gens qui partagent la même vision et le même enthousiasme.

Del Toro : Mais l’histoire – les bases de l’histoire – n’a jamais changé. Mais elle est devenue de plus en plus profonde. Les acteurs ont apporté de la profondeur, l’animation a apporté de la profondeur, c’était très, très émouvant de la voir devenir de plus en plus efficace sur le plan émotionnel.

N’avez-vous jamais craint de créer quelque chose qui ne conviendrait pas nécessairement aux enfants d’aujourd’hui ? Parce que beaucoup d’histoires qui sont racontées sont presque enveloppées de bulles maintenant, mais ce n’est pas la tradition des fables, comme le Petit Chaperon Rouge.

Del Toro : Les choses les plus effrayantes que j’ai vues quand j’étais enfant étaient des films d’animation. Et ce ne sont pas seulement les films de Disney qui étaient effrayants, mais aussi les animations japonaises qui ont un sens mélancolique et nostalgique du danger et de la perte. Lorsque j’ai présenté cette histoire, j’ai dit qu’elle était du même ordre que L’épine dorsale du diable et Le labyrinthe de Pan. J’ai dit qu’elle n’était pas destinée aux enfants. Mais les enfants peuvent le regarder si leurs parents leur en parlent. Je ne me tromperais pas en disant que Le Labyrinthe de Pan est un film pour enfants, mais celui-ci peut être regardé par des enfants. Il n’est pas pasteurisé, il n’est pas homogénéisé et il n’est pas à l’abri d’un dialogue au sein de la famille.

En ce qui concerne l’animation, vous avez traité les animateurs comme des acteurs et leur avez permis d’avoir des « actes manqués » où les personnages font ce qu’il ne faut pas faire. Mark, vous avez travaillé sur l’animation de films comme Fantastic Mr. Fox, mais est-ce le processus le plus fluide que vous ayez jamais vu ?

Gustafson : Le processus de base est en grande partie le même : on commence par le scénario et on enregistre les voix. Parallèlement, on travaille généralement sur des story-boards, puis on monte un animatic et on passe au tournage. Mais dans le cas présent, je pense que nos chanteurs ont vraiment contribué à l’animation de manière intéressante. Ewan McGregor est arrivé et a donné vie à ce criquet. Nous l’avons vu immédiatement et nous nous sommes dit : « Oh, c’est Sebastian J. Cricket ». Parce qu’il y avait tellement de chaleur et qu’il pouvait être arrogant, mais on l’aimait quand même beaucoup. [Tilda [Swinton] est tout simplement éthérée, et ce qu’elle a apporté à ce personnage l’a fait résonner d’une manière très intéressante. Ensuite, nous avons eu notre Pinocchio. Nous avons trouvé Greg [Mann], un enfant de 10 ans, qui était remarquable – il n’avait pas beaucoup d’expérience, mais il avait quelque chose de si authentique, de si doux et de si vrai.

Del Toro : Et indiscipliné.

Gustafson : Et indiscipliné. Il pouvait tout à fait s’y mettre. En fait, je pense qu’il se délectait de ce que nous lui demandions d’être un peu plus large et désobéissant.

Del Toro : Pour répondre à votre question, le véhicule, les parties techniques d’un film comme celui-ci sont les mêmes, mais l’endroit où l’on emmène ce véhicule est très différent. Nous avons mis en scène la caméra de manière beaucoup plus active, comme dans un film d’action. Nous avons donné à la caméra et aux acteurs une raison de bouger. Nous avons opté pour les micro-expressions, les « actes manqués » et nous avons complètement évité la pantomime aseptisée. Il n’y a pas de poses cool, pas d’attitudes branchées, il n’y a que de l’humanité. L' »acte manqué », qui semble très facile, mais lorsque vous n’empruntez pas une voie directe entre une action et le résultat, l’animation multiplie les heures de travail et la rend beaucoup plus élaborée. C’est pourquoi nous avons tourné pendant 1000 jours. Nous recherchions l’humanité, l’artisanat et les êtres humains qui se cachent derrière ce projet, plutôt que de le rendre élégant, distant et parfait. Je veux qu’on ait l’impression que c’est fait à la main. Bien que les étapes du processus soient les mêmes, la direction que nous avons prise pour le film était totalement aventureuse.

Gustafson : C’est dans ces gestes manqués que l’on trouve l’humanité, c’est dans les choses que l’on ne pense peut-être pas être absolument nécessaires sur le moment, mais qui rendent le personnage vivant. C’est dans les yeux. Nous mettons l’accent sur les réactions, comme le fait de regarder quelqu’un écouter, parce que lorsque, en tant que public ou lorsque vous regardez un personnage écouter, et que vous le regardez traiter l’information, non pas parler, mais penser, c’est ce qui rend un personnage vivant.

Del Toro : Lorsque nous animions, surtout au premier tiers du processus, nous regardions d’où nous venions, où nous allions, et nous examinions la scène pour voir ce que nous pensions que le personnage ressentait. Animer, c’est donner une âme, nous devions comprendre ce que le personnage ressentait. Je ne veux pas simplement voir le personnage bouger. Je veux comprendre ce qu’il ressent physiquement et émotionnellement. A-t-il mal ? A-t-il une démangeaison ? Est-il en sueur ? Est-il fatigué ? Sont-ils heureux ? Sont-ils tristes ? Reçoivent-ils des nouvelles ? Rejettent-ils des nouvelles ? C’est une façon très différente de diriger une animation en temps normal.

Pinocchio de Guillermo del Toro est sur Netflix à partir du 9 décembre. Pour en savoir plus, consultez les meilleurs films Netflix en streaming en ce moment.